Simbolico e ammaliante, La doppia vita di Veronica di Krzysztof Kieslowski mette in scena uno sdoppiamento che si fa paranoia.

Titolo originale: La Double Vie de Véronique
Regista: Krzysztof Kieslowski
Sceneggiatura: Krzysztof Kieślowski, Krzysztof Piesiewicz
Cast principale: Irène Jacob, Halina Gryglaszewska, Aleksander Bardini, Claude Duneton, Władysław Kowalski, Philippe Volter 

Già presente in nuce, come un annuncio soffuso, nelle pieghe secondarie del Decalogo 9, La doppia vita di Veronica appare una pellicola di raccordo nella filmografia di Kieslowski, quasi un tentativo di ripresa e ampliamento di temi già dati ma potenzialmente infiniti. Non c’è sorpresa nella macchina narrativa che il regista mette in moto e la freddezza, a tratti persino disturbante, di un narrare impastato di inquietudine, riflette perfettamente ciò che gli spettatori chiedono alla sua opera.

Tra tematiche e simboli

La perturbazione dell’orizzonte d’attesa alberga semmai, nel cinema di Kieslowski, all’interno del singolo film come microcosmo finzionale. Se concepita in tal senso, La doppia vita di Veronica è un lavoro perfettamente “chiuso”, segnato da un’ammaliante tensione emotiva che conduce al turbamento analitico ben prima della fine. Tuttavia, sottratta al suo isolamento, la pellicola appare piuttosto l’anello di una catena di corrispondenze tematico-stilistiche, tutte funzionali allo scavo interiore e alla riflessione (para)psicologica.

Il doppio

La vicenda, di per sé scarna, è quella di una donna sdoppiata, pericolosamente in bilico tra disturbo dissociativo e vera e propria reincarnazione. Non c’è, difatti, un confine netto nell’opera Kieslowski, ogni stato appare definito eppure sfuggente sicché è impossibile sceverare il vero dal falso, la realtà dalla sua proiezione. Weronika (Irène Jacob) è una cantante polacca con una malformazione congenita al cuore. La sua storia si consuma nello spazio simbolico di un concerto nefasto, quasi un rito funebre preconizzato dai colori cupi e dalla musica di Zbigniew Preisner, lugubre accompagnamento alla morte per infarto. Dall’altra parte, a chilometri di distanza, c’è Veronique (ancora Jacob), anche lei cantante e inconsapevole “ritrattista” della sua gemella, incontrata per caso durante una manifestazione a Varsavia.

Dettagli rivelatori

La sua fotografia, triste relitto di una memoria confusa, diviene per la giovane il filtro mediante cui osservare le proprie inquietudini. Come uno specchio imperfetto, l’istantanea restituisce un riflesso che è insieme indagine e avvertimento. Conoscere i dettagli di un destino già dato può forse salvare una vita segnata? Gli interrogativi e l’angoscia di Veronique sono restituiti da Kieslowski mediante la solita, raffinata, inquadratura in dettaglio, capace di cogliere lacrime, rughe, mani che si torcono.

Oltre la superficie

L’operazione di scavo che egli mette in campo non si limita, come sempre, a una superficiale eppur corretta indagine del pensiero. Il movimento della camera fissa dettagli che vanno oltre la rappresentazione, quasi volessero assurgere a simboli di una condizione profonda. La stessa attenzione maniacale rivolta agli attori – cercati, provinati e tormentati – rivela il vizio kieslowskiano di “chiedere di più” al personaggio e alla storia. La naturalezza di Irène Jacob, notata da Kieslowski sin da Arrivederci ragazzi di Louis Malle [1], risponde con perfezione al compito di rimando ad un piano altro, fatto di sentimenti e pensieri che precedono l’istante fissato.

Soggettive rovesciate 

Se ciò che un attore può offrire, al di sopra di tutto, «è la propria vita» [2], essa non può che assurgere a rappresentazione universale, strappando il velo della maschera che separa ruolo e persona. Non è casuale la scelta di introdurre due marionette in una delle scene più intense del film; come Weronica e Veronique, i fantocci a loro (o meglio, a lei) ispirati sono posizionati uno dritto in piedi e l’altro disteso e immobile. Mentre le soggettive rovesciate si alternano ai primi piani, la crescente tensione che corrode Veronica irrompe sullo schermo con un messaggio potente.

Comunicare l’invisibile

La comunicazione – se così possiamo chiamarla – viaggia attraverso codici che non sempre costituiscono un piano sistema di segni. Oltre la parola c’è la sensazione, oltre il vedere il sentire. Di questo intende parlare Kieslowski , pur costeggiando territori più impervi che sfiorano la vita dopo la morte e l’ambigua parapsicologia. Lo scandaglio dell’animo umano richiede una sensibilità speciale per poter essere portato a termine. Veronica non è che il gradino intermedio di un’indagine più ampia. Per scoprire i colori della quale occorrerà immergersi in un altro, seducente spettacolo.

Tre motivi per vedere il film:

L’attenzione ai dettagli, mai così viva.
Irène Jacob, splendida interprete.
L’ambiguità di Philippe Volter

Quando vedere il film:

Dopo aver visto Decalogo, prima di Tre colori.

Note

[1] M. Lastrucci, Ciak, 3, marzo 1991.

[2] Ibidem.

Ginevra AmadioLe immagini contenute in quest’articolo sono riprodotte in osservanza dell’articolo 70, comma 1, Legge 22 aprile 1941 n. 633 sulla Protezione del diritto d’autore e di altri diritti connessi al suo esercizio. Si tratta, infatti, di «riassunto, […] citazione o […] riproduzione di brani o di parti di opera […]» utilizzati «per uso di critica o di discussione», nonché per mere finalità illustrative e per fini non commerciali. La presenza in CulturaMente non costituisce «concorrenza all’utilizzazione economica dell’opera».

Vi siete persi l’ultimo cineforum?

“Nessun posto è bello come casa mia”

Titolo originale: “The Wizard of Oz”
Regista: Victor Fleming
Sceneggiatura: Noel Langley, Florence Ryerson, Edgar Allan Wolf (più altri non accreditati)
Cast Principale:  Judy Garland, Frank Morgan, Ray Bolger, Bert Lahr, Jack Haley, Billy Burke, Margaret Hamilton, Charley Grapewin e The Munchkins
Nazione: U.S.A.
Anno: 1939

Il mago di Oz è un film cult che quest’anno ha festeggiato gli 80 anni dalla sua uscita negli U.S.A.

Il film “Il mago di Oz”, un successo fin dalla sua uscita, è la trasposizione cinematografica del romanzo quasi omonimo di L. Frank Baum.

È un classico davvero senza tempo del cinema per ragazzi, che ha conquistato anche gli adulti, stampando nella nostra memoria immagini indelebili.

Ma è anche un esempio tipico del funzionamento dell’industria hollywoodiana in quegli anni, frutto di un lavoro corale molto studiato.

Dopo il successo della Disney nel 1938 con “Biancaneve e i sette nani”, il produttore Louis B. Mayer decise di cavalcare l’onda dei film per ragazzi. Chiese ad un gruppo di sceneggiatori di cercare la storia adatta, che venne individuata nel romanzo “Il favoloso mago di Oz”. La sceneggiatura coinvolse un numero altissimo di sceneggiatori, oltre a quelli a cui è ufficialmente attribuito.

Addirittura la regia verrà attribuita al solo Victor Fleming, che girò la maggior parte del film. Ma, in realtà, prima di lui avevano lavorato a “Il mago di Oz” Richard Thorpe e George Cukor. Dopo Fleming – chiamato a girare “Via col vento” – il film verrà finito da King Vidor. Tanti registi, mitici ma anche di mestiere, non potevano che realizzare un piccolo capolavoro.

Nondimeno, se la regia fu il risultato di una staffetta e gli sceneggiatori sono così tanti da sembrare una squadra di calcio, un solo volto è quello che ognuno di noi associa a “Il mago di Oz”: quello di Judy Garland. Qui è giovanissima, ma è già evidente il suo talento.

Guardandola in questo film non sorprende che sia diventata una star iconica immortale, a cui di recente Hollywood ha dedicato un film biografico.

Festa del Cinema di Roma 2019: oltre l’arcobaleno con Judy

La trama del film “Il mago di Oz” è molto nota e perfetta per una pellicola dedicata a “tutti i giovani di cuore”.

“Il mago di Oz” infatti è una favola con le caratteristiche del racconto di formazione. Dorothy Gale (Judy Garland) vive in una fattoria del Kansas, insieme agli zii. Il suo migliore amico è il suo cane Totò. È una ragazzina molto vivace, che ogni tanto si caccia nei guai e vorrebbe forse un po’ andare in giro per il mondo.

Proprio all’inizio del film troviamo una delle scene più famose, in cui la protagonista canta “Over the rainbow”. L’adolescente sogna di trovare oltre l’arcobaleno un posto dove non cacciarsi nei guai, un luogo tranquillo, oltre i propri limiti.

Proprio mentre sta progettando di scappare di casa per evitare che gli portino via il suo cane, sulla città e la fattoria si abbatte un terribile uragano.

Lei si rifugia nella sua stanza, ma l’uragano si porta via l’intera casa. Dorothy sviene e al risveglio si ritrova in un posto che non è il Kansas, ma il mondo di Oz. Viene accolta con tutti gli onori, perché la sua casa è atterrata sulla perfida strega dell’Est, liberando il popolo dei Mastichini.

Fa la conoscenza della sorella della defunta, la malvagia strega dell’Ovest, che la minaccia di vendetta, anche perché un’altra strega buona ha regalato a Dorothy le scarpette rosse della strega dell’Est. Le scarpette rosse sono magiche, quindi molto preziose.

A questo punto Dorothy vorrebbe tornare a casa sua nel Kansas, anche se il mondo di Oz è bellissimo e pieno di colori, ma nessuno sa come fare. La strega del Nord la indirizza verso il Fantastico Mago di Oz che raggiungerà percorrendo il sentiero dorato. Lungo la strada Dorothy e Totò incontreranno tre compagni di viaggio: lo spaventapasseri, l’uomo di latta e il leone. Ognuno di loro si sente a sua volta un fallito, perché gli manca, rispettivamente, il cervello, il cuore e il coraggio. Il mago di Oz potrà dare anche a loro ciò di cui sembrano tanto aver bisogno.

Nel film non mancheranno i colpi di scena, gli imprevisti e i pericoli, visto che la malvagia strega dell’Ovest è sulle tracce di Dorothy.

Alla fine, però, ognuno avrà imparato qualcosa e sarà cambiato e maturato. Dorothy si sveglierà nel suo letto e capirà che è stato tutto un sogno. Ha vissuto una bella avventura, ma la voglia di tornare a casa non l’ha mai abbandonata.

Avrà capito che la felicità non va cercata oltre i confini del proprio giardino, perché se non la si trova lì, non la si troverà da nessun’altra parte. Lei esclama: “there’s no place like home”. Nel doppiaggio italiano viene tradotto come “nessun posto è bello come casa mia”, quindi ne esce un messaggio piuttosto conservatore, che sembrerebbe suggerire che il desiderio di cercare qualcosa di nuovo, al di fuori della propria vita, possa solo portare guai.

Noi preferiamo però un’interpretazione un po’ diversa. Dorothy viaggia nel mondo di Oz, incontra nuovi amici, vede un mondo bellissimo, più colorato. Casa sua è un approdo sicuro, il luogo degli affetti, non quello da cui si deve necessariamente fuggire per essere felice. Ma doveva andare lontano e mettere alla prova se stessa per scoprirlo. La felicità ha origine in noi stessi e nel rapporto con gli altri, nel “proprio giardino”. Se non si è capaci di trovare la felicità lì, non la si troverà nemmeno altrove.

Sempre rispetto ai messaggi veicolati, “Il mago di Oz” s’inserisce nel contesto storico-sociale successivo alla Grande Depressione, ma anche poco prima della Seconda guerra mondiale.

Tutto era in ripresa e il futuro era in salita ma aleggiavano fiducia e buoni propositi. Quindi, “Il mago di Oz” è un inno a valori come la solidarietà, l’amicizia autentica, l’amore universale, il continuo miglioramento di se stessi. Il viaggio di formazione dei personaggi principali, infatti, restituirà loro la fiducia nelle proprie capacità e l’autostima che avevano perso. Anche in Italia, forse, ha svolto una funzione analoga, visto che arrivò nel 1947, a guerra finita da appena due anni.

Concludiamo con una nota tecnica che non si può sottovalutare.

La differenza tra il Kansas e il mondo di Oz è registicamente e visivamente valorizzata anche attraverso la fotografia. Il regista sceglie di girare in un bianco e nero seppiato le scene ambientate nel mondo reale, per passare al colore per quelle che si svolgono nel meraviglioso mondo di Oz. Qui, Dorothy Gale fa un viaggio onirico, avvolta da colori brillanti e vivaci.

Se oggi, infatti, il colore è un elemento di forte realismo nei film, negli anni Trenta e fino ai Sessanta il colore era usato nel cinema di genere fantastico. E nel film di “Il mago di Oz” viene messo a disposizione il livello più alto del technicolor e degli effetti speciali disponibile sul mercato all’epoca.

Tre motivi per guardarlo:

–       Per la scena in cui Judy Garland canta “Over the rainbow“;
–       perché è un cult imperdibile del cinema internazionale, cui la cultura pop occidentale attinge a piene mani da ottant’anni;
–       perché ogni tanto fa bene a tutti una dose di valori come solidarietà, amicizia autentica, amore universale e continuo miglioramento di se stessi.

Quando vedere il film: in un bel pomeriggio, magari festivo, in compagnia di un bambino o di una bambina che lo vede per la prima volta, per vedere l’effetto che fa.

Stefania Fiducia

E dal fantastico mondo di Oz, passiamo allo spaventoso mondo degli zombie con la precedente puntata del nostro cineforum:

World War Z: la zombie apocalypse psicologica

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