In viaggio con Adele è al cinema, un film emozionante con Alessandro Haber e Isabella Ferrari

Esce il 18 ottobre al cinema, l’opera prima di Alessandro Capitani, giovane regista di “In viaggio con Adele“, che ha scelto per interpretare la sua esperienza cinematografica due artisti del calibro di Alessandro Haber e Isabella Ferrari.

Tutti ricordiamo le splendide interpretazioni dei meravigliosi anni ’80, che hanno fatto i due attori, in due dei film più appassionanti della storia del cinema italiano: “Da Grande”, dove Haber interpretava il papà di Renato Pozzetto e Isabella Ferrari, che ci ha fatto sognare con la sua bellezza in “Sapore di Mare”, una storia d’amore estiva come la sua, a fianco del bellissimo Massimo Ciavarro.

Un film ricco di emozioni, da non perdere se siete alla ricerca di sensazioni forti. Commovente, con un finale intenso, con un Haber che come al solito non delude mai, e una Ferrari sorprendente nel ruolo di “antipatica”, manager del protagonista maschile.

La protagonista della pellicola è Adele, una giovane ragazza che, dopo aver vissuto una vita senza la presenza di un padre, si ritrova a perdere improvvisamente anche la madre. A decidere il destino della “particolare” ragazza sarà la vita, fatta di scelte, ma soprattutto l’amore, un amore dettato da un legame di sangue.

Aldo, un ormai attempato attore teatrale, sta finalmente per sostituire il famoso attore Tony Servillo in una pièce unica, il suo cavallo di battaglia “Cyrano de Bergerac”. Ipocondriaco, vegano, trascorre una vita tutta di corsa, non si ferma mai e questo genera in lui una serie di ansie e paure.

Forse anche a lui, proprio come ad Adele, manca qualcosa per essere completo. Quel qualcosa che non ha mai saputo di avere, ma che invece c’è, è lì, da sempre.

Ha amato solo una donna nella sua vita, la mamma di Adele. Appena riceve la notizia che è morta, corre al suo funerale per darle l’ultimo saluto, a Foggia, dove viveva e scopre di avere una figlia.

Adele è una ragazza speciale: gira con un pigiama rosa a forma di coniglio, scrive su post-it rosa dei messaggi “strani” che pochi codificano. Il personaggio di Adele è spaventato, così come tutti i personaggi della pellicola. Proprio come suggerirà a Aldo, a seguito della sua ipocondria:

“Tu non hai paura di morire, tu hai paura di vivere”.

Adele, al contrario di Aldo, che non ha mai avuto grossi scossoni nella sua vita tranquilla, è un personaggio con una vita tragica, ma che riesce comunque a mantenere quel candore unico, di chi è “diverso”.

Non si tratta semplicemente di un film con un messaggio profondo da dare, quello del richiamo alle piccole cose, in un mondo frivolo e superfluo. A tratti è anche una commedia divertente. Qualche battuta pungente, vi farà sicuramente ritrovare il piacere della comicità pulita e mai volgare.

Alessandro Haber è una garanzia, come al solito, riesce a far emergere tutte le sfumature del carattere di Aldo.

Una chicca che contribuisce ad emozionare, le scelte per le colonne sonore scelte, davvero azzeccatissime.

Alessandra Santini

“Sogno di una notte di mezza età” è il nuovo film diretto ed interpretato da Daniel Auteuil in uscita in Italia il 18 ottobre.

Comincio subito con il confessare che questo film non mi ha convinto. Mi sono seduta in sala con la voglia e la speranza di ridere un po’, o almeno sorridere, con una commedia francese dell’ultima generazione.

Ma, purtroppo, “Sogno di una notte di mezza età” non è abbastanza divertente, tanto meno esilarante. Sulla carta c’erano tutti gli elementi per far tornare o mantenere di buonumore il pubblico. Da un lato, abbiamo due grandi attori francesi come Gérard Depardieu e Daniel Auteuil, duetto già rodato in altri film. Dall’altro, una storia leggera e potenzialmente ricca di gag.

Daniel è un uomo di mezza età, molto “innamorato di sua moglie”. Lo dice anche il titolo originale della commedia (“Amoureux de ma femme”), decisamente più carino e pertinente di quello italiano. E già la scelta del titolo italiano è un difetto.

Daniel e sua moglie Isabelle (Sandrine Kiberlain) Invitano a cena l’amico Patrick (Gérard Depardieu) per conoscere la donna per cui ha lasciato sua moglie. Lei, Emma, è molto bella e più giovane di lui e appare subito sensuale e piena di vitalità (Adriana Ugarte).

Appena Daniel vede Emma, ne resta folgorato e inizia un film nel film. L’uomo è ricco di immaginazione e non fa che fantasticare per tutta la serata su eventuali approcci, seduzioni, fughe, storie d’amore tra lui e la sexy ospite. Nel primo film mentale di Daniel, Emma si sfila il vestito rosso che indossa per restare nuda di fronte a lui.

Il film, per Daniel Auteuil, dovrebbe essere “una fantasia amorosa attraverso la quale ci si pone la domanda a cui ognuno può rispondere: cosa si desidera davvero quando desideriamo qualcun altro?”.

D’altronde, il protagonista del film non è diverso da alcuni di noi. Quando conosciamo qualcuno che ci attrae (ma non solo, direi), iniziare a fantasticare è una tentazione quasi irresistibile. Secondo il regista Daniel Auteuil, “chi di noi può affermare che, di tutte le vite possibili, l’unica che desideriamo è quella che stiamo vivendo?”. Quindi, sarebbe come dire che il meccanismo spontaneo dell’immaginazione  aiuta non solo a sfuggire ad una vita insoddisfacente, ma anche a viverne diverse, pur restando soddisfatti della propria.
In “Sogno di una notte di mezza età” Daniel è innamorato di sua moglie Isabelle ed è felice della sua vita con lei. Ma, per una sera, fantasticare su una relazione con la sensuale Emma lo aiuterà a chiarirsi le idee su cosa conta e vuole davvero.

Tutti ottimi intenti quelli di Daniel Auteuil, ma tutti finiti in un film privo della vitalità che, invece, vorrebbe ispirare nello spettatore.

Le indubbie capacità recitative dei quattro attori vengono poco in risalto, probabilmente per colpa del doppiaggio italiano, che non riesce a rendere il brio dei dialoghi originali, che si percepisce ma non arriva con naturalezza allo spettatore.

II risultato è una pellicola ripetitiva nelle fantasie e prevedibile nelle gag che nascono dall’imbarazzo tra i personaggi. Il rischio di annoiarsi è altissimo.

Stefania Fiducia

Dal 18 ottobre potrete vedere al cinema “Le ereditiere”, film paraguaiano scritto e diretto da Marcelo Martinessi che dopo il Festival di Berlino vorrebbe conquistare anche l’Oscar.

Ambientato ad Asuncion, in Paraguay, “Le ereditiere” racconta una storia di donne anziane, un gruppo raramente rappresentato nel cinema. Chela e Chiquita sono una coppia che convive da trent’anni. La prima appare subito depressa e indolente, con simpatie e ossessioni racchiuse nel vassoio che tutte le mattine le prepara la sua compagna: medicine, cola, caffè, etc.

Fanno parte della ricca borghesia paraguiana, ma, a causa di un tracollo finanziario, devono vendere i loro beni. Chiquita viene anche accusata di frode e viene arrestata. Chela resta spaesata da questa nuova situazione: non sa come vivere il quotidiano senza Chiquita, ha paura che le persone scoprano che la compagna è in prigione. Per un caso fortuito, riprende a guidare e in pochi giorni si improvvisa tassista per alcune donne anziane benestanti.

Chela è la vera protagonista del film, interpretata da Ana Brun, intensa anche se controllatissima in ogni gesto e ogni parola. Ha decisamente meritato la vittoria dell’Orso d’argento come migliore attrice all’ultimo Festival di Berlino.

L’identità di Chela sembra più familiare che personale: lei è l’ultimo membro di una famiglia ricca. Sta perdendo tutto ciò che di materiale ha ereditato. Costretta a vendere mobili e dipinti preziosi, le resta solo l’automobile che le regalò suo padre. Quella sarà improvvisamente il mezzo con cui si riprenderà un pezzo di indipendenza prima, un pezzo di vita dopo.

È un film sulla riscoperta del desiderio, “Le ereditiere”. Chela, infatti, – quasi inaspettatamente, considerata la condizione depressiva di partenza – reagisce alla separazione momentanea da Chiquita.

Esce, seppure con timore e timidezza, dalla sua “comfort zone”. Nel suo percorso di rinascita Chela si ritrova a riscoprire il desiderio e, subito dopo, a fuggire quasi letteralmente dalla sua realizzazione. Forse intuisce subito che, assecondandolo, porterà ad un cambiamento potenzialmente irreversibile.

Il regista Martinessi lo ha definito anche un film sui confini, perché, pur scegliendo di non collocare la trama in un dato periodo storico, voleva che richiamasse la situazione della società del suo Paese. Gli interessava raccontare la “sensazione di vivere in una gigantesca prigione“.

“Le ereditiere” è un film essenziale, senza fronzoli. I dialoghi sono asciutti, i silenzi riempiono la scena. Le inquadrature sono strette e dominano i primi piani, come se il corpo per Chela non avesse tanta  importanza. Fa eccezione solo la giovane Angy (Ana Ivanova), la cui immagine fin da subito appare “completa”. La regia indugia sul viso, come sulle labbra, come sul busto o le altre parti del suo corpo. È chiaro da subito che lei è la più risolta, quella con l’identità più salda.

Lo stesso regista Martinessi ammette che, durante la lavorazione del film, il personaggio di Angy si è imposto ai suoi occhi con la sua presenza scenica. Lei è la più diretta e fisica, per questo spezza l’inerzia di Chela e ne innesca il cambiamento.

L’essenzialità dei dialoghi e delle scene non rendono noioso il film, che scorre veloce. Anche grazie alla capacità delle interpreti di esprimere tutto con il volto l’attenzione del pubblico resta vigile.

“Le ereditiere” è il film candidato per il Paraguay all’Oscar come miglior film straniero. Per raggiungere la cinquina finale, tra gli altri, dovrà vedersela anche con il bellissimo “Dogman” di Matteo Garrone. La battaglia è aperta tra due pellicole d’autore, originali e non banali, che non possono lasciare indifferenti lo spettatore.

Stefania Fiducia

Una delle cose più interessanti, al cinema e non solo, è l’esplorazione della cattiveria. Come nasce, perché nasce, come si espande, se ha ancore morali che ne fermano l’esplosione definitiva e soprattutto se è bilanciata da lati grigi.

La cattiveria è un elemento così essenzialmente nell’approfondimento della conoscenza umana – e, se possibile, ancora di più oggi vedendo i tempi in cui viviamo – da non poter essere tratta con superficialità o sussiego. Ma, ecco appunto, questa è esattamente la cosa che fa Soldado e l’errore nel quale si muove per due ore.

Per un film che infatti nasce figlio di storie di confini – non solo geografici, ma soprattutto morali – è sorprendente quanto Soldado sia sicuro di ciò che fa e quanto poco caratterizzi le sfumature o si affidi ai lati grigi. In un certo senso, Soldado è un film che va assolutamente dritto: imbevuto di machismo e amoralità, non si ferma mai un attimo a riflettere su ciò che mostra, ma è interessato solo a colpire nella maniera più ruvida possibile. Che poi, queste potrebbe andare anche bene in altri casi. Un film che sceglie di affidarsi all’esegesi della violenza per ciò che è, senza filtri o sovrastrutture, sarebbe coraggioso.

Il problema è che Soldado sceglie questa strada convintamente ma arrogantemente, debolmente. Non colpisce nel profondo perché è essenzialmente una storia vuota, non lascia alcun impatto perché non ha una vera distinguibile personalità.

La mancanza di un vero senso si riflette nella storia. La trama non va letteralmente da nessuna parte, e già verso la metà inizia a girare inutilmente su se stessa. Soprattutto, si affida a dei banali ami che non sono mai seguiti: il discorso d’apertura sulle infiltrazioni dei terroristi islamici nei territori di frontiera è interessante, e pure tremendamente attuale, ma rimane finalizzato solo allo shock stesso del momento, diventando quindi un qualcosa di pura exploitation che fa infuriare.

La mancanza di personalità la ritroviamo nella confezione. Spiace dirlo, perché vorremmo sempre che un regista italiano faccia successo a Hollywood, ma qui la mano di Stefano Sollima è uno dei punti più dolenti. Il regista romano è bravissimo a girare, non lo scopriamo certo ora, ma non è l’autore capace di far fare il salto di qualità ad una sceneggiatura. Sollima svolge il compitino affidato, e l’unica cosa che aggiunge è una sua eccessiva freddezza e forte compiacimento nel nichilismo messo in scena. La riflessione umana cui Sollima contribuisce è sempre asettica.

Questo in realtà è Soldado. Un film girato bene, recitato bene, calibrato bene, ma fin troppo cinico, distaccato, così disinteressato all’approfondimento, su qualsiasi aspetto, da limitarne l’impatto emotivo, qualunque esso sia.

Alcuni difetti sono ereditati da Sicario, ma lì si sopperiva a tutto esaltando i pregi. Ho cercato di ritardare il paragone con Sicario, ma francamente è inevitabile, sia perché Soldado abbraccia completamente quel mondo, sia perché il finale trasforma questo film soltanto nell’ennesimo capitolo di mezzo di una saga aperta. Indubbiamente Soldado vive in funziona di Sicario, ma perde completamente per strada la lezione impartita da quel film. Nel 2015 Denis Villeneuve riusciva ad elevare una storia piuttosto ordinaria in una grande indagine sui confini della moralità. In quel percorso, sfruttava il personaggio di Emily Blunt come surrogato del pubblico, che assiste alla violenza del mondo e ne rimane continuamente vittima. Ora, nel 2018, Sollima prosegue un discorso sulla violenza in maniera meccanica e poco ispirata, che tratta quasi con fastidio ogni (piccolo) squarcio di umanità.

L’abisso che Soldado mostra è sicuramente molto buio. Ma se contemporaneamente non ci mostra anche la luce come alternativa, non capiremo mai quanto è profondo.

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Emanuele D’Aniello