Raccontare 1294 pagine in 106 minuti è possibile? Sì, se sai come selezionare il materiale utile a comunicare il tema che desideri sfruttando al meglio il mezzo di comunicazione che hai a disposizione. Scrivere un libro è una cosa; scrivere una sceneggiatura è tutt’altro anche se gli elementi narrativi (divisione in tre atti della storia, caratterizzazione del personaggio, luoghi, azioni, tempi) sono gli stessi. L’audiovisivo, combinando più percezioni sensoriali, è sicuramente uno strumento molto potente, ma va usato bene altrimenti si rischia il pasticcio.

È ciò che, a mio avviso, è successo con La scuola cattolica di Stefano Mordini.

Il film, presentato fuori concorso alla Mostra del Cinema di Venezia 2021, è tratto dal romanzo omonimo di Edoardo Albinati, vincitore nel 2016 del Premio Strega proprio grazie a questo testo. Devo ammettere di non aver letto il libro, ma da interviste varie mi è sembrato di capire che Mordini condivide con lo scrittore gli intenti della sua storia e cerca di riprodurre fedelmente l’impianto corale del romanzo. Peccato, però, che il risultato sia un minestrone di singole esistenze insipide dalle quali si capisce poco o nulla del messaggio che si voleva trasmettere.

La scuola cattolica: la trama

In un liceo privato cattolico del quartiere Parioli di Roma vengono educati molti figli maschi di famiglie benestanti del luogo. Siamo nel 1975 e la società italiana si deve confrontare con una situazione politica alquanto turbolenta. I genitori cercano di proteggere i figli come possono e di assicurare loro il futuro migliore possibile grazie a un’educazione cattolica, di sani e rigidi principi morali. Peccato che sia tutta una facciata. Dietro al lusso e al benessere si celano violenze, ipocrisie e solitudini. Ci si omologa per sentirsi parte del gruppo. La noia porta al divertimento più basso che spesso sfiora la crudeltà. Si fa fatica a trovare una propria voce o a provare compassione. In questo ambiente non c’è spazio per imparare a essere persone. Si diventa uomini, ma nel senso più stereotipato che si possa pensare. L’amicizia è cameratismo; ci si spalleggia a vicenda anche nel peggiore dei modi.

Tutto ciò viene a galla quando tra il 29 e il 30 settembre Angelo Izzo, Gianni Guido e Andrea Ghira rapiscono, stuprano e seviziano due ragazze della Roma popolare, Donatella Colasanti e Rosanna Lopez. Quest’ultima viene anche uccisa, mentre Donatella si finge morta e, alla prima occasione, chiede aiuto. Gli assassini vengono catturati e nella società di Roma bene rimane sconcerto e orrore al pensiero che nei propri figli si possa nascondere un mostro simile.

La scuola cattolica: il libro

Quelli che possono apparire come spoiler sono, in realtà, vicende di cronaca nera note al pubblico già prima dell’uscita del libro di Albinati. Il massacro del Circeo (dal nome della località di San Felice Circeo dove avvenne il delitto) è una pagina del crimine italiano che divenne rappresentativo dell’educazione fallimentare della gioventù dell’epoca. I nomi e le ambientazioni sono riprese dal libro, ma sono reali. Così come lo sono le altre situazioni presentate. Questo perché Albinati è stato un compagno di classe dei tre aguzzini, ha condiviso il loro stesso percorso scolastico e non ha potuto fare a meno di domandarsi quale potesse essere il motore di una tale violenza.

L’idea del libro nasce dopo il 2004 ed è legata a un’altra storia particolarmente efferata. Angelo Izzo, rilasciato per buona condotta, sequestra, stupra e uccide una donna e sua figlia di 13 anni. Con il suo romanzo, Albinati ripercorre le radici di queste personalità inquadrandole nella foresta di giovani uomini che negli anni Settanta furono educati in un certo modo, tutt’altro che sano e funzionale. Albinati prova a indagare la natura più violenta dell’uomo e il suo senso di prevaricazione nei confronti del femminile. Lo fa con tanta consapevolezza che sa bene non appartenere ai suoi coetanei, soprattutto quando erano più giovani. Il romanzo La scuola cattolica racconta di uomini predatori e allo stesso tempo insicuri e bisognosi di affermazione e riconoscimento.

La coralità, dunque, serve a ribadire che sebbene la violenza possa essere episodica (fortunatamente), i maschi sono stati plagiati con idee per loro nocive. E di questo tutti gli esseri umani – donne e uomini – continuano a pagare un prezzo altissimo.

La scuola cattolica: il film

Ho già detto che Mordini intende far suo il tema di Albinati. E così la pellicola parte dal coro per arrivare a puntare i riflettori sul trio del delitto.

Il film appare diviso in due parti: nella prima, vediamo l’educazione dei ragazzi della scuola, le relazioni tra di loro, con le proprie famiglie e il sesso femminile. È qui che dovrebbero essere gettate le basi per capire ciò che vedremo nella seconda parte (il delitto vero e proprio). Ed è qui che sono stati compiuti una serie di errori di sceneggiatura che pesano molto nelle fruizione del film. I personaggi sono tanti e ognuno di loro viene buttato sullo schermo per qualche minuto senza che venga data loro loro troppa importanza. Vengono aperte tante finestre senza che lo spettatore abbia modo di attraversarle. Il ragazzo gay, quello bullizzato, quello geniale con un padre assente e omosessuale, quello con una ex attrice per madre, quello cattolico che perde la sorella… ritratti abbozzati dai quali è difficile cogliere il senso profondo. Le storie sono legate tra di loro, ma in maniera approssimativa e si perdono verso la fine del film.

Il peso dell’educazione tossica o di una famiglia disattenta e anaffettiva è trattato con superficialità. Si evita il didascalismo, ma tutto è così accennato che è difficile cogliere il senso del film se non si conosce l’intento prima di entrare in sala. Non si riesce a comprendere il perché una classe sociale così privilegiata (la stessa protagonista di Una donna promettente) o un’educazione di così rigidi principi riesca a partorire simili violenti. O meglio, lo si capisce perché è qualcosa che sappiamo e che già abbiamo avuto modo di vedere, ma non sembra essere sufficiente.

La scena in cui il professore porta la classe a vedere il quadro in cui Cristo è picchiato dai carcerieri non è chiarificatrice, né esplicativa. Dovrebbe esserlo, ma ci si perde dietro una serie di contraddizioni. Dovrebbe essere una scena chiave per capire il tema del film, ma non arriva, anzi, apre una serie di interrogativi anche di dubbio gusto. Dire che gli uomini diventano adulti solo grazie alla violenza ha un senso se pensiamo all’idea di “forza virile”, ma qual è il senso del dire che Cristo è lui stesso carnefice perché è quella sofferenza a renderlo il Figlio di Dio? Se si pensa alla scena della violenza finale, il messaggio può essere facilmente frainteso. Le vittime sono anch’esse carnefici? Per quale motivo? Parlare di carnefici inconsapevoli ci può stare se si difende l’idea che è la società con le sue usanze a creare dei mostri, ma è davvero il caso di Izzo, Guido e Ghira che non si sono mai mostrati veramente pentiti di quanto fatto? Allo stesso tempo, non è una lezione simile a spiegarmi che cosa vivevano questi ragazzi e perché hanno sviluppato personalità antisociali.

Se la prima parte non funziona, la seconda – quella incentrata sul sequestro e sulla violenza contro le due giovani – è un’altra storia. È un pugno allo stomaco, ma riesce a descrivere in maniera intelligente quella situazione. C’è una grandissima cura nella scelta di cosa mostrare e di cosa non mostrare. Ciò che non viene fatto vedere, si amplifica nella mente dello spettatore o della spettatrice sulla base di quanto si vede. Mordini non ci mostra la violenza, ma le sue conseguenze. E si sentono tutte. Il merito è anche degli attori e delle attrici perfettamente credibili nelle loro interpretazioni.

La parte finale è la migliore del film per quanto impietosa e dilaniante. Ed è un vero peccato per il resto. Certo, trasferire sullo schermo tutto ciò che Albinati racconta non era semplice. Ma c’erano tante altre strade possibili da percorrere. Ci si poteva focalizzare sin da subito sui tre aguzzini oppure rendere tutte le storie più corpose e sensate.

Nel film sono presenti alcuni nomi abbastanza famosi del cinema italiano. Riccardo Scamarcio, Jasmine Trinca, Fabrizio Gifuni, Valeria Golino e Valentina Cervi accompagnano un cast di giovani attori promettenti.

Le polemiche sul divieto ai minori di 18 anni

Il film è stato vietato ai minori di 18 anni proprio a causa della scena sul quadro con Cristo e i suoi carnefici a conferma di come la sua interpretazione sia complessa (se non ambigua). Anche le scene della parte finale possono risultare molto forti da vedere. Tuttavia, i ragazzi e le ragazze oggi sono abituati a vedere cose simili, se non di peggio. Si perde per loro la possibilità di sviluppare un senso critico rispetto a una particolare educazione e anche rispetto al rapporto maschio/femmina.

Il film può non meritare, ma il delitto va conosciuto. Solo così si può piano piano sperare di cambiare le nuove generazioni e di spingerle a guardare con occhi diversi gli esseri umani. La violenza esiste. Può essere difficile da guardare, ma non si può girare la testa dall’altra parte. È l’unico modo per provare a contrastarla.

Federica Crisci

Nel nuovo film di Jean-Paul Salomé, Isabelle Huppert è Patiente: un personaggio stupefacente

La Parigi di Patiente Portefeux (Isabelle Huppert) non è la patinata città dell’amore tutta Arco di Trionfo, Torre Eiffel e Museo del Louvre: è una capitale in cui si fondono lusso e degrado, la lingua è declinata con vari accenti, la fortuna può sorridere e andarsene. Patiente lo sa bene, costretta com’è ad alternare le sue giornate tra il lavoro come traduttrice dall’arabo al francese, specializzata in intercettazioni telefoniche per la squadra antidroga capitanata dal devoto Philippe (Hippolyte Giradot), e le visite alla struttura dov’è ricoverata l’anziana madre demente.

Paziente solo di nome, affamata di vita vera

Patiente non ha nulla del nome che porta: i suoi sguardi, i suoi gesti, le sue intenzioni denunciano una brama di vivere che nemmeno la stanchezza, i pochi soldi, un marito morto prematuramente e le due figlie di cui prendersi cura sembrano poter mitigare. Forse è per questo che finisce con l’affezionarsi a quei nomi e a quelle storie che spia con le cuffie e traduce a chi di dovere, per poi ritrovarsele in carne e ossa durante gli interrogatori spesso violenti e a cui, suo malgrado, è costretta a partecipare.

Sotto l’hijab c’è tutto

Un giorno acquista una sua vecchia foto, scattata da un artista affermato: è ritratta, giovanissima, alla guida di un motoscafo sul Lago di Ginevra. Gli altri non possono saperlo ma si tratta dell’unica testimonianza che le resta di un passato avventuroso e bandito, seppellito chissà dove. Poi succede l’imprevedibile: il ragazzo che sta sorvegliando si rivela non essere uno dei soliti sconosciuti. Questo la spingerà oltre al confine della legalità, dove tutto le appare più autentico: è arrivato il momento di mentire e trasformarsi nella padrina, grazie a una notevole partita di hashish che le cambierà la vita.

Egoista, carismatica, generosa: e Parigi si inchina

“La Padrina – Parigi ha una nuova regina”, tratto dal romanzo di Hannelore Cayre “La bugiarda”, è il primo film in cui il regista Jean-Paul Salomé lavora con Isabelle Huppert. Ma non si direbbe vista la capacità di sfruttarne la versatilità, valorizzarne il talento e mantenerne il personaggio sempre sul filo dell’ambiguità. Al netto di qualche soluzione allegramente inverosimile per sbrogliare la complicata rete di inganni ordita da Patiente, la pellicola affronta con pungente ironia e buona dose di cinismo una serie di questioni estremamente attuali: la brutalità di certi metodi delle forze dell’ordine, l’integrazione culturale, le reali opportunità date e gli stereotipi affibbiati a chi proviene da un altro Paese o si trova in difficoltà. Tra tutti questi temi si muove leggiadra la padrina: egoista quanto basta per badare perfettamente a se stessa, carismatica quanto serve per avviare con successo la sua improvvisata attività, generosa quanto vuole per non lasciarsi dietro troppe macerie.

Un montaggio dinamico, dialoghi vivaci, giusto equilibrio tra commedia e leggera suspense, una colonna sonora irresistibile fanno de “La Padrina – Parigi ha una nuova regina” un piccolo gioiello imperdibile: come se non bastasse Isabelle Huppert.

Cristian Pandolfino

Foto in evidenza: © Photo Guy Ferrandis

Gli occhi di Tammy Faye (The Eyes of Tammy Faye) è il film d’apertura della Festa del Cinema di Roma 2021, con Jessica Chastain nel ruolo da protagonista.

La storia di due predicatori evangelici, caduti in disgrazia platealmente negli anni ’80, dopo aver costruito un vero e proprio impero sulla fede di milioni e milioni di persone. Un fenomeno poco conosciuto in Italia, ma che negli USA ha fatto davvero tanto scalpore e ancora oggi viene ricordato come uno dei disastri mediatici più eclatanti della storia.

La storia di Tammy Faye

Basato su l’omonimo documentario, il film racconta della stramba vita di Tammy Faye, una donna fervente cristiana e devota a Dio, un po’ sopra le righe. La figura di Tammy Faye (Jessica Chastain) è molto nota negli USA, perché tra gli anni ’70 e ’80 lei e il marito predicatore, Jim Bakker (interpretato da Andrew Garfield), riuscirono a creare il più grande network televisivo a stampo religioso del Paese.

Da noi in Italia quasi sconosciuti, questi due personaggi hanno professato per più di una decade un messaggio di amore, accettazione e prosperità.

Tammy Faye è, inoltre, diventata riconoscibile grazie alle sue ciglia finte, alla sua stravagante voce e al suo desiderio di raggiungere persone di tutte le estrazioni sociali. Tuttavia, non passò molto tempo prima che irregolarità finanziarie, rivali truffaldini e scandali demolirono l’impero che i due avevano faticato a costruire. 

Abbracciando diversi decenni, Gli occhi di Tammy Faye racconta l’ascesa e la caduta della coppia religiosa più famosa d’America, tra patriottismo, scandali, avidità, che tormentano l’animo della protagonista.

Un film non all’altezza di Jessica Chastain

Adattamento dell’omonimo documentario del 2000 diretto da Michael Showalter (The Big Sick) e scritto da Abe Sylvia, il film rimbalza in modo discontinuo attraverso diversi anni nella vita di Tammy Faye e Jim Bakker, partendo dall’inizio della loro relazione, passando per la grande ascesa e il successo, finendo con la distruzione totale del loro impero.

Ciò che, però, salta all’occhio è che Gli occhi di Tammy Faye non è allo stesso livello dell’interpretazione di Jessica Chastain, protagonista assoluta nei panni della protagonista, un’attrice che ha dimostrato ancora una volta il suo valore trasformandosi completamente, sia a livello fisico che vocale.

Voce squillante, trucco esagerato e ciglia alla Betty Boop, il personaggio di Tammy Faye viene interpretato brillantemente dalla Chastain, che quest’anno già in Scene da un matrimonio con Oscar Isaac ha riconfermato la sua grande professionalità. Il problema è che la cornice in cui recita non è altrettanto brillante.

Se la scelta di inserire clip reali dell’epoca e la ricostruzione perfetta di alcune interviste dei due personaggi funzionano alla grande, tutto il resto del racconto sfuma in modo confuso e poco interessante. Il lavoro del regista Michael Showalter risulta confuso, la narrazione risulta disordinata, poco attenta, e molti cavilli della storia non vengono approfonditi, lasciando lo spettatore con troppe domande e poche risposte.

Jessica Chastain, una stella che risplende

Meno male che Jessica Chastain risplende anche sotto quintali di trucco, facendo conoscere l’animo di Tammy Faye anche a chi non ne aveva mai sentito parlare, con una delicatezza e una grande prova attoriale da Oscar. Per questo progetto, l’attrice si è preparata meticolosamente, come ha raccontato in conferenza stampa, studiando il personaggio con attenzione e sensibilità.

Ho trascorso anni a visionare le sue riprese e non ho mai visto del mascara che le colava lungo il volto. Tammy Faye era completamente diversa dalla caricatura creata dai media. Era il
ministro ordinato che Jim non fu mai. Predicava l’accettazione e la compassione e credeva realmente in
queste doti: volevamo che le persone lo vedessero nel film. Quando tutti voltarono le spalle alle persone
colpite dall’HIV e dell’AIDS, invitò un pastore gay molto famoso malato di AIDS nel suo programma.
Conduceva i programmi del network Praise The Lord per tutta la durata delle sue giornate e, oltre a questo,
scrisse quattro libri e incise 24 album. Non fu mai pagata per nessuno di questi lavori: tutto il denaro che
guadagnava veniva devoluto alla sua Chiesa

Chissà se verrà nominata agli Oscar come Miglior attrice protagonista, teniamo le dita incrociate! Gli occhi di Tammy Faye, per finire, apre debolmente questa Festa del Cinema di Roma 2021, un film non incisivo che resta nella mente solo per la sua brillante protagonista. La pellicola uscirà prossimamente al cinema distribuito da Searchlight Pictures Italia.

Ilaria Scognamiglio

Nanni Moretti torna sul grande schermo con il film “Tre Piani”, tratto dall’omonimo romanzo di Eshkol Nevo.

La regia è estremamente fedele e rispettosa dell’opera letteraria ed i singoli personaggi rispecchiano egregiamente la scrittura di Nevo.

Il film si apre con un evento molto traumatico: un incidente mortale che vede alla guida il figlio di Nanni Moretti, un magistrato con uno spiccato senso di responsabilità ed un’elevatissima (forse troppo!) morale. Tutta la trama si snoda intorno ad una palazzina della borghesia romana, situata in un quartiere di Prati. Già a partire da questa informazione vediamo una differenza sostanziale con il romanzo che si svolge, invece, a Tel Aviv.

La trama riguarda tre famiglie, ognuna situata su un piano, ciascuna con una propria storia ed un proprio conflitto interiore evidente. La storia sicuramente non è quella che dipinge famiglie della “mulino bianco”. Al contrario, sono storie ognuna con una propria dignità, che dipingono personalità complesse, turbolente, controverse, e, per certi versi, molto solitarie. Tuttavia, tutte e tre le famiglie hanno un elemento in comune. Quest’ultimo riguarda il tema della genitorialità e, di conseguenza, il tema dell’amore. Se da un lato abbiamo la rappresentazione della genitorialità come controllo, in alcuni tratti anche ossessivo, ma anche come amore, dall’altro lato abbiamo la rappresentazione, anzi, la presenza dei bambini. Lo sguardo fanciullesco ed ingenuo di questi ultimi, tutti con una recitazione molto convincente e naturale, si contrappone con il loro “essere adulti”. È un paradosso. È proprio da questa contraddizione che esce l’aspetto drammatico, a tratti commovente, della storia. Non sono pochi i momenti, infatti, in cui i ruoli si capovolgono: in cui i figli fanno da genitori, da guida.

I tre piani del palazzo, sono simbolicamente, i 3 stati elaborati da Freud, le cosiddette istanze freudiane della personalità. Abbiamo l’“ES”, al primo piano, personificato da Riccardo Scamarcio: un padre di famiglia ossessionato dalla propria realtà delle cose e dei fatti. È il piano che simboleggia quanto di più istintivo, rabbioso, a tratti animalesco, l’essere umano può essere.

Abbiamo, al secondo piano, l’“IO”, con una madre sola (chiamata da alcuni “la vedova”). Madre che, nonostante l’ossessione di essere malata, nutre un sentimento di amore per i propri figli che è assoluto. Ha un desiderio costante di amare e di essere amata. Simboleggia, quindi, la mediazione inconscia tra la censura e l’istinto.

Infine, al terzo ed ultimo piano, abbiamo il “SUPER IO”, con il controllo ed il divieto, entrambi incarnati da Nanni Moretti.

Rispetto al romanzo, che ho letto, Moretti lascia meno spazio alle libere interpretazioni. Il regista, infatti, è molto più incisivo nello sviluppo di determinate storie, quasi a voler riflettere anche attraverso la sceneggiatura, la supremazia del “super io” freudiano. Si prende, forse, qualche libertà di scrittura, pur inserendosi con rispetto ed onestà all’interno del plot generale.

È un film che, come dice lo stesso scrittore Nevo, ci vuole insegnare a perdonare. Il perdono è quanto di più difficile, forse, l’essere umano si trova a dover fronteggiare. Non intendiamo qui un perdono nel senso religioso del termine, bensì un perdono che ha a che fare con l’anima, con quanto di più intimo ci possa essere.

I protagonisti del suo film sono: Margherita Buy, Riccardo Scamarcio, Alba Rohrwacher, Adriano Giannini, Elena Lietti, Denise Tantucci, Alessandro Sperduti, Anna Bonaiuto, Paolo Graziosi, Tommaso Ragno, Stefano Dionisi, Francesco Brandi. La loro recitazione è assolutamente convincente in tutto e per tutto.

“Tre Piani” è da vedere, consiglio di tornare al cinema proprio con questo film. Il cinema ci è mancato tanto, quale miglior modo per inaugurare una nuova stagione cinematografica, speriamo dinamica?

Serena Cospito