Chi ha avuto paura di liberare Aldo Moro? Può uno Stato che si dice democratico non tentare qualunque strada per liberare l’ostaggio? E chi oggi, a distanza di quarant’anni dai fatti, ha ancora paura di Aldo Moro?

Chi ha paura di Aldo Moro di Giovanni Gentile, è innanzitutto uno spettacolo coraggioso che condensa, in poco più di un’ora, un dramma dal quale il nostro paese non sì è mai davvero ripreso. Sulla scarna scena, composta da alcuni pannelli mobili, rigorosamente rossi, uno sgabello e un drappo della Brigate rosse, si muove una sola attrice, la bravissima Barbara Grilli, che da voce ai protagonisti del nostro undici settembre, lasciando la parola direttamente alla storia. Da Barbara Balzerani, una delle brigatiste del commando di via Fani, a Francesco Zizzi, uno dei cinque uomini della scorta, al suo primo giorno di lavoro accanto al politico pugliese in quel drammatico 16 marzo e ad altri  protagonisti che animano la scena, attraverso racconti, sensazioni, ricordi, emozioni.

Barbara Grilli, in questo caleidoscopio di fatti e personaggi, interpreta anche lo schivo maresciallo Leonardi e naturalmente Moro, colui che coraggiosamente stava aprendo ai comunisti, non rendendosi conto di firmare, così, la sua condanna a morte.

Chi ha paura di Aldo Moro, dopo essere stato portato su diversi palcoscenici italiani, è approdato, lo scorso weekend, a Roma, al Teatro Furio Camillo, un piccolo scrigno, dove il teatro civile è da sempre di casa.
Chi ha paura di Aldo Moro è un racconto plurale fra fatti, misteri, supposizioni, ipotesi e drammatiche certezze. Il resoconto minuzioso di quei 55 giorni, dal primo sanguinoso capitolo, fino all’inevitabile epilogo del 9 maggio, osservato da più punti di vista, da occhi che indagano e da bocche che testimoniano.

Da via Fani a via Caetani, dalla prigione di via Montalcini alla messinscena di un funerale con una bara vuota, un filo mai reciso che unisce a fatica un paese lacerato.

Questo bellissimo e coraggioso spettacolo prova fare nomi, a citare fatti, a svelare incredibili retroscena, come quello del 4 agosto del 1974, l’inizio di una stagione orribile.
Quattro anni prima di via Fani, Moro fu fatto scendere in fretta da un treno fermo alla stazione Termini di Roma e diretto in Trentino. A convincere l’onorevole democristiano fu un dirigente del Ministro degli Interni. Quel treno partì senza Moro, ma con un carico esplosivo che detonò alcune ore dopo, uccidendo 12 persone, e ferendone più di cinquanta.

Quello è solo uno dei mille misteri del caso Moro, tasselli che riemergono con forza nel corso dello spettacolo, trovando alla fine la loro drammatica, incredibile collocazione.

Fatti più noti, come quello della famosa seduta spiritica alla quale partecipò anche l’ex presidente del consiglio Romano Prodi, o più caliginosi, come il mancato arresto di Mario Moretti.

Il futuro capo delle Brigate Rosse, il 6 settembre 1974, grazie a una soffiata, venne avvisato di non presentarsi all’incontro con Renato Curcio e Alberto Franceschini. Moretti, inspiegabilmente, non avvisò i due compagni che, invece, a Pinerolo, il luogo dell’incontro, l’8 settembre, trovarono i carabinieri diretti dal generale Dalla Chiesa. I fondatori delle Br furono arrestati e il vertice dell’organizzazione terroristica decapitato. Leader incontrastato del movimento divenne Mario Moretti, il regista di tutta la vicenda Moro.

Uno spettacolo, quello della Compagnia Teatro Prisma, (diretta dal bravissimo Giovanni Gentile e che ha all’attivo 8 produzioni con oltre 300 repliche, alcune delle quali anche in Francia e i Australia), che si inserisce di diritto nell’alveo del teatro civile, scoprendo carte di un giallo mai risolto, mostrando una cicatrice mai completamente rimarginata.

Quando cala il sipario e la bravissima Barbara Grilli riceve i meritatissimi applausi, nell’atmosfera della sala rimangono sospese, come gocce di pioggia mai cadute, mille rabbiose domande. Una, più di tutte, però, sferza davvero ed è quella pronunciata da Francesco Zizzi, per tutti Franco:

«…ma poi chi l’ha vinta questa guerra? Io sono morto e quelli si sono fatti trent’anni di galera. E allora dove sono i vincitori? Lo Stato? Quale Stato? Il mio, no di certo.»

Maurizio Carvigno

“La cucina”, una commedia da non perdere assolutamente, resterà in scena al Teatro Eliseo di Roma fino al 20 maggio 2018.

La commedia “La cucina” è stata rappresentata per la prima volta nel 1957, quando il suo autore Arnold Wesker aveva solo venticinque anni. Ad oggi, resta forse l’opera più famosa del drammaturgo londinese.

L’adattamento attualmente in scena al Teatro Eliseo di Roma fino al 20 maggio 2018  è prodotto dal Teatro Stabile di Genova e ha esordito nell’ottobre 2016.
Ha subito ottenuto un grande successo di critica e pubblico e non possiamo che essere d’accordo con chi l’ha apprezzato.

Il cast de “La cucina” è composto da ventiquattro bravissimi attori provenienti dalla Scuola di Recitazione dello Stabile, così come il regista Valerio Binasco.

Una bellissima scenografia attira lo spettatore prima ancora che si sieda in sala, visto che il sipario è già alzato. Guido Fiorato ha, infatti, installato la cucina di un ristorante inglese nel secondo dopoguerra. L’ambiente sembra fatiscente, soprattutto all’esterno.

I dialoghi sono un coacervo di accenti. Ne “La cucina”, infatti, Weskner ha voluto rappresentare l’Europa della seconda parte del ‘900.
Ma è una pièce talmente attuale che vale a rappresentare tutto il mondo e sembra essere scritta ai giorni nostri. Infatti, mostra da vicino la violenza che può nascere dalla convivenza forzata di persone straniere.

Secondo Valerio Binasco “Wesker rappresenta la cucina come un mondo disumanizzante, perché il suo primo obiettivo era la denuncia sociale sulle condizioni di lavoro. Per lui, che voleva affermarsi come ‘poeta del popolo’, la cucina è un brutto posto, è la metafora della fabbrica”.
Binasco, invece, mettendo in scena “La cucina” nella versione italiana di Alessandra Serra, è partito da un assunto diverso.

La cucina di un ristorante, per Binasco, non è un brutto posto e le persone che lavorano lì rappresentano l’intera umanità.

La cucina, quindi, diventa  una metafora della vita sociale. Ma è anche un posto dove si può vedere il lavoro di squadra.

Di vita ce n’è tanta su questo palcoscenico. Si inizia a ballare al suono di una radio costruita dal nulla da uno sguattero russo. Camerieri e cuochi intrecciano tresche più o meno segrete. Vivono amori malati, distruttivi e autodistruttivi, che dovrebbero essere rifugi, invece sono prigioni.

Ad un certo punto si parla, addirittura, di sogni e ci si rende conto che al mondo c’è pure chi non è capace di sognare seriamente, cioè in grande.

“La cucina”, però, è anche un luogo di tensioni, alcune palesi, altre sottese, pronte ad esplodere con conseguenze tragiche. D’altronde è la rappresentazione di una società multietnica in cui le differenze possono diventare motivo di incontro e di scontro.

Parliamo di un luogo frenetico – come la società contemporanea – in cui non ci si può fermare neanche se un collega si infortuna mentre lavora, in cui il lavoro non è valorizzato.

Non c’è posto per la qualità, nella cucina di questo ristorante da 2000 coperti, “solo offerta, solo soldi”.

“La cucina” è pure un ambiente misogino, dove non mancano violenze sulle compagne e giudizi impietosi sulle colleghe.

Ma la metafora della cucina è anche la prova dell’inesauribile capacità di adattamento dell’essere umano ad ogni condizione di vita e di lavoro.

Eppure “La cucina” è un spettacolo bellissimo, suscita un entusiasmo che ci accompagna fuori dal teatro.

Il cast si dimostra perfettamente all’altezza di una scena caotica e movimentata. Gli attori si muovono freneticamente, senza minimamente intralciarsi. Sembra di assistere ad una puntuale coreografia, tanto ogni gesto è studiato, coordinato con quelli degli altri. Sono molto suggestive le scene in cui si muovono al rallentatore.
Le interpretazioni si amalgamano benissimo tra loro. Il risultato è un lavoro corale riuscitissimo che diverte, emoziona, commuove.

Si immagina quanto faticosa sia stata la regia di questa pièce. Per questo il lavoro di Valerio Binasco è ancora più degno di plauso e ammirazione.
In alcuni punti, lo spettacolo appare quasi ripetitivo. Ma, in fondo, non lo sono certe volte anche la vita, la società, la Storia che in fondo “La cucina” vuole raccontare?

Binasco e la Compagnia del Teatro Stabile di Genova, in effetti, sono riusciti a catturare l’idea della cucina come un luogo di notevole, seppure involontaria, bellezza, e a mandare con il Teatro “un messaggio di pace”.
Nel finale c’è un abbraccio che non ci si aspetta. Quello è il messaggio di pace più convincente.

Stefania Fiducia