Autobiografia erotica di Domenico Starnone sarà in scena all’OFF/OFF Theatre fino al 27 maggio. Sul palco, diretti da Andrea De Rosa, i bravissimi Vanessa Scalera e Pier Giorgio Bellocchio.

Dopo il grande successo della trasposizione di Lacci, un altro romanzo di Domenico Starnone arriva sul palcoscenico. Si tratta di Autobiografia erotica di Aristide Gambìa, pubblicato nel 2011 da Einaudi. Ancora una volta, l’adattamento teatrale è curato dallo stesso scrittore e prodotto dalla Cardellino, la casa di produzione di Silvio Orlando, regista e interprete di Lacci. La regia, invece, è affidata a Andrea De Rosa che, per dar valore al testo (e di conseguenza al tema) di Starnone, ha scelto una messa in scena del tutto spoglia. Un fondale nero con un tavolo e due sedie.

Non c’è sipario. Lo spettatore, appena entra per prendere posto in teatro (un gran bel teatro!), ha da subito la possibilità di vedere l’allestimento e di iniziare a pensare a cosa succederà in quello spazio di lì a momenti.  La posizione delle sedie – una di fronte all’altra – fa pensare a un confronto tra due persone.

E, in effetti, un confronto è quello che Mariella chiede ad Aristide tramite un’e-mail scritta con un linguaggio particolarmente volgare. La donna vuole parlare del primo e unico incontro che i due hanno avuto vent’anni prima a Ferrara. Durante le poche ore passate insieme, Mariella e Aristide hanno avuto un breve e frettoloso rapporto sessuale che, almeno apparentemente, non ha avuto grandi conseguenze nelle loro vite. Rivivendo insieme quella giornata, attraverso parole crude, ma oneste, scopriranno che così non è. Il dialogo tra due semi-sconosciuti diventa allora un momento di conoscenza di sé che non può che avvenire tramite la distruzione delle proprie certezze, a cominciare dall’idea che si ha dell’Io.

Le personalità dei personaggi sono il fulcro di Autobiografia erotica.

Mariella si mostra come una donna cinica e disinibita sia nel mostrare il suo corpo, sia nelle parole usate. Sembra rimasto molto poco della ragazza diciottenne che desiderava diventare una scrittrice. Aristide anche è cambiato nel corso degli anni. Da ragazzo amante delle lettere, pieno di rigidità sessuali, da poco sposato e in attesa del primogenito è diventato un editore di grande importanza con numerose storie d’amore e di sesso alle spalle.

In un primo momento, Aristide reagisce con una risata imbarazzante alla scurrilità di Mariella. Raccontando quel pomeriggio, da buon intellettuale, cerca di usare metafore o parole altisonanti per descrivere le emozioni di allora. La donna non è però interessata alla retorica, ma ai dettagli, alla realtà, alla concretezza. Ed è per questo che insiste nell’usare un linguaggio greve e basso, privo di abbellimenti. Con quest’atteggiamento, metterà in crisi anche le convinzioni che sono legate a quelle parole più astratte, costringendo Aristide a privarsi delle proprie costruzioni mentali e di tutte le spiegazioni razionali per mostrare i suoi istinti e desideri più cupi.

Si avverte l’origine letteraria del testo, ma questo non diminuisce la forza comunicativa dello spettacolo.

Merito soprattutto della bravura dei due attori. Vanessa Scalera costruisce il suo personaggio prestando grande attenzione ai movimenti del corpo e all’espressività che aiutano lo spettatore a comprendere le emozioni e le intenzioni del personaggio, molto prima che esse siano comunicate a voce. Pier Giorgio Bellocchio conferma la sua bravura portando in scena un uomo che nel corso del dialogo si spoglia di tutte le proprie maschere per mostrare un volto che difficilmente riconoscerebbe o vorrebbe riconoscere allo specchio.

Come si può immaginare già dal titolo, Autobiografia erotica riflette sulla sessualità umana.

Non ne dà di certo una visione romantica, ma ne enfatizza gli aspetti contraddittori. Perché se da una parte ci sono il gioco, l’appagamento e il desiderio, dall’altra risulta chiaro che la sessualità abbia anche degli aspetti più inquietanti per la razionalità umana, essendo legata alla sfera dell’irrazionale. L’attrazione è un mistero: può essere legata a una caratteristica fisica, ma anche a un’idea, a un rumore, a un oggetto. Il rapporto sessuale è un atto sì spontaneo, ma anche profondamente idealizzato in quanto rappresenta il momento di massima intimità tra due persone. Lo spettacolo mostra anche la differenza con cui uomini e donne vivono la sessualità. In effetti, l’essere penetrati e il penetrare sono due azioni molto diverse che implicano “responsabilità” e sensazioni diverse.

Ed è su questo che si confrontano Mariella e Aristide, portando lo spettatore a riflettere con loro.

Starnone crea dei personaggi maschili che dai loro comportamenti rivelano sempre poca consapevolezza di sé. Le donne, invece, pur vedendo la situazione in maniera lucida, solitamente subiscono questa confusione dell’uomo su se stesso, finendo anche loro per perdersi di vista. Proprio come in Lacci, i rapporti interpersonali si rivelano fondamentali per costruire la coscienza dell’individuo e il suo percorso di vita. Visto che sono così importanti, i legami devono essere raccontati e vissuti attraverso l’arte, letteraria o teatrale che sia.

Lo spettacolo è breve, intenso, ti colpisce per il linguaggio forte, ti eccita, ti rattrista, ti commuove, ti sorprendere, ti fa ridere e sorridere in maniera amara. E se pensiamo che l’andare a teatro potrebbe essere una sorta di incontro erotico, da una serata trascorsa all’OFF/OFF Theatre, non uscire affatto delusi.

Federica Crisci

La vita di Ada Byron Lovelace è stata rappresentata da Galatea Renzi il 15 e il 16 maggio 2018 al Teatro Vittoria di Roma con “La fata matematica”, per la rassegna “Le donne erediteranno la terra”.

Se non ci fosse stata la “fata” Ada Byron Lovelace, io non avrei potuto scrivere questo articolo con il mio computer. Né voi adesso lo stareste leggendo sul vostro smartphone o il vostro tablet.

La scienziata Ada Byron Lovelace, infatti, è stata la prima programmatrice della Storia. Fu la prima a sognare il computer,  l’unione tra fisico e metafisico , tangibile e intangibile.

Valeria Patera è autrice e regista di “La fata matematica”, interessante progetto teatrale che racconta la vita straordinaria di Ada Lovelace.

Lo spettacolo è nato nell’ambito del Progetto Eureka 2018 di Roma Capitale, per far capire che dietro gli strumenti che usiamo quotidianamente ci sono state delle persone rivoluzionarie, che hanno invertito certi dogmi.

Figlia del poeta Lord Byron, Ada Lovelace vive solo 36 anni nella prima metà dell’Ottocento, durante la prima rivoluzione industriale inglese. È dotata di un’eccellente mente matematica e, in un contesto dove neanche esisteva ancora l’elettricità, inventa il software.

Partendo dall’automatizzazione del telaio, la donna intuisce la possibilità di realizzare una macchina, azionata a vapore, in cui trasferire e raccogliere delle informazioni con le schede perforate in modo che potesse effettuare dei calcoli matematici e altre operazioni.

Non lo fa completamente da sola, ma lavora a stretto contatto con un altro matematico, Charles Babbage, il primo a definire Ada Byron Lovelace come la “Fata”.

La tecnologia dell’epoca non è in grado di realizzare ciò che Lovelace e Babbage hanno immaginato. Ma Ada capisce da subito che quell’invenzione cambierà la Storia dell’umanità.

La loro macchina e la loro scoperta innovativa hanno gettato le basi dell’informatica, ispirando lo scienziato Alan Turing per la costruzione del primo computer.

Lo spettacolo “La Fata Matematica” è un viaggio nella vita sofferta della donna e della scienziata Ada Byron Lovelace.

“La fata matematica” è una buona occasione per conoscere questa scienziata, ancora poco nota, sia sul piano personale, che su quello “professionale”. Bene hanno fatto il Teatro Vittoria e Aldo Cazzullo ad inserirlo nella rassegna teatrale “Le donne erediteranno la terra”.

Il personaggio di Ada Lovelace è affascinante e sfaccettato, pieno di contraddizioni.  Un’Ada malata ripercorre la sua vita di donna e di scienziata. Si consegna al pubblico con tutta la sua umanità.

La bravissima Galatea Ranzi la interpreta dandone un’immagine molto sofferente, sia con i gesti sia con il tono di voce. A tratti la recitazione può risultare monocorde, nel senso che racconta tutto con lo stesso grado di drammaticità.

Scopriamo il rapporto claustrofobico di Ada con sua madre, Anne Isabella Milbanke, anch’ella matematica. Da lei prenderà l’amore per i numeri, che Ada riuscirà a fare incontrare con la poesia, il mondo del padre,che abbondonò lei e sua madre, poco dopo la sua nascita.

Struggente è il racconto dei sentimenti contraddittori che Ada Lovelace prova per i suoi figli e delle conseguenze della malaria sulla sua salute.

L’allestimento scenico e la regia aiutano lo spettatore a capire la fonte onirica e immaginativa del pensiero di Ada che ha rivoluzionato la matematica, facendo nascere una nuova scienza: quella delle informazioni.

L’allestimento scenico di Valeria Mangiò, insieme alle luci della stessa regista Valeria Patera, sono molto suggestivi. Galatea Ranzi è sempre sola in scena, in una scenografia scarna.

Nel frattempo su teli chiari e leggeri vengono proiettate delle immagini ipnotiche. Aiutano ad immedesimarsi un po’ nel turbinio dei pensieri di Ada Lovelace, che pensa spesso sotto l’effetto di oppio e laudano, prescritte dai medici quando si ammala di cancro.

Babbage, invece, interpretato da Gianluigi Fogaggi, appare solo nei sogni di Ada. Bella è infatti l’immagine di Ada che dorme, mentre vengono proiettati i dialoghi tra  Lovelace e Babbage, mentre immaginano, scoprono e inventano insieme.

Questa scelta registica sembra voler collegare le intuizioni di Ada al mondo onirico. La macchina diventa una visione poetica. L’autrice ha scelto di mettere in risalto come Ada Lovelace riuscisse a visualizzare i propri pensieri. Mentre Babbage arrivava fino ad un certo punto, Lovelace andava oltre con l’immaginazione.

Ada credeva che un giorno avremmo capito che matematica e poesia si corrispondono. A guardare le “magie” che fanno oggi i dispositivi che usiamo ogni giorno e che lei sognava, la Fata Matematica sembra averci visto giusto.

Stefania Fiducia

Giovedì 17 maggio, il Your Future Festival dell’Università Politecnica delle Marche, ha patrocinato lo spettacolo “Ti racconto una storia” con Edoardo Leo. L’attore e regista romano ha intrattenuto il pubblico per circa due ore, con letture di brani di autori, registi e non solo.

Entrando, Leo porta con sé sottobraccio un raccoglitore. Dice che si tratta di un archivio di tutti brani, racconti brevi, passi di film in cui gli è capitato di imbattersi durante la sua vita e di averli conservarti. Ecco, lo spettacolo nasce proprio dalla scelta di leggere alcuni  di questi passi, ogni volta diversi.

Inutile anche dire che le risate non sono mancate. Letture di brani comici, racconti di aneddoti personali, addirittura di barzellette sono state accompagnate dalle musiche sempre pertinenti di Jonis Bascir. Come un vestito su misura, l’accompagnamento musicale calzano a pennello le parole dell’attore, portando ai picchi massimi l’effetto comico.

Per divertirsi, quindi, ci siamo divertiti. È chiaro. Ma quello che più affascina è il principio primo che sottende l’intero spettacolo. Senza nulla togliere alla comicità del decalogo di Benni sul cambio del pannolino, è estremamente affascinante l’idea di creare uno spettacolo ogni volta diverso. Quasi si fosse pensato ai romanzi postmoderni di Calvino, lo spettatore viene coinvolto in un sentiero sempre nuovo. E forse con lo spettatore anche il protagonista viene travolto di volta in volta in un’esperienza diversa.

Immaginiamo questo spettacolo come ad un labirinto, dove ogni passo decide quello che verrà poi.

Principe indiscusso di tutto lo spettacolo è il racconto, o meglio l’oralità. La storia trasmessa per il gusto di raccontare e di raccontarsi. Piacere della convivialità e desiderio di tramandare episodi, aneddoti. Nell’era della scritture e di quella sul web, fa piacere in battersi anche solo per un paio d’ore in una riflessione sulla tradizione orale o sulla scrittura nata dall’oralità stessa. È stato bello tornare seppur per poco tempo alle origini della nostra letteratura. A quegli aedi che raccontavano storie per farle conoscere.

Serena Vissani

Il 15 maggio, in occasione del Your Future Festival, l’Università Politecnica delle Marche, in collaborazione con Marche Teatro ha reso possibile lo spettacolo “Controcanti – L’opera buffa della censura” interpretato da Carlo Lucarelli, Marco Caronna e Alessandro Nidi.

Ritrovati per caso in uno scantinato, questi tre personaggi scoprono i testi di una radio del 1939. Leggendoli, analizzano e raccontano la censura di quegli anni. Parole e musica si fondono per affrontare un excursus sulla censura musicale del regime fascista e non solo. Pur prendendo spunto dal “pretesto scenico” della stazione radio, Lucarelli e Caronna, accompagnati dalle musiche di Nidi, raccontano i totalitarismi europei, senza risparmiare destra e sinistra. La censura da Hitler a Stalin, passando per Mussolini ovviamente.

Ma la censura non è solo propria della dittatura. Anche le democrazie hanno la loro buona dosa di censura, o di consigli, come ironicamente viene fatto presente più di una volta. Da qui i controlli di occhio nascosto ma vigile che sulle parole vietate, sui testi. Pena l’esclusione dai principali mezzi di comunicazione.

Raccontare la censura non è un’operazione da sottovalutare, soprattutto se si riesce a far sorridere per tutto il tempo.

Quasi tutto il tempo, in realtà, dato che gli aneddoti esposti hanno fatto accapponare la pelle in non poche occasioni. Tuttavia, attraverso il fenomeno del contrasto, il sorriso non può non affiorare sulle labbra di chi ascolta.

La censura viene presentata in tutta la sua insignificante meschinità. Allusioni, caccia all’oscenità, repressione sono solo alcune delle varie sfaccettature della censura che vengono messe in evidenza. Tutte sono inesorabilmente e crudelmente sbeffeggiate, derise, sminuite con la musica e la ragione. L’accompagnamento musicale fornisce il suo contribuito là dove l’aneddoto contestualizza il fenomeno. La razionalità colpisce acremente e segna punto su punto contro un nemico deriso e ridicolizzato.

Nonostante tutto, però, lo spettatore non esce dalla sala consolato. Un alone di negatività circoscrive l’intero spettacolo e la porta che sbatte inaspettatamente alla fine, non lascia presagire bene per il futuro. La storia che ci è stata raccontata non è lontana e non c’è ancora un lieto fine.

Serena Vissani