Titolo originale: Breathe
Regia: Andy Serkis 
Uscita: 16 Novembre  2017
Attori: Andrew Garfield, Claire Foy, Tom Hollander, Stephen Mangan, Dean-Charles Chapman
Genere: Drammatico
Nazionalità: Gran Bretagna
Durata: 117 minuti

Questa è una storia vera…

Cosi inizia un viaggio lungo 117 minuti. Un film diretto da  Andy Serkis  (The War – Il pianeta delle scimmie, Star Wars: Il risveglio della Forza), qui al suo esordio come regista. La storia è incentrata su Robin Cavendish, interpretato egregiamente da Andrew Garfield, affiancato da una talentuosa Claire Foy (che tutti conosciamo nel ruolo della Regina Elisabetta II in “The Crown”) nelle vesti di Diana Blacker , la moglie.

Robin Cavendish è un ragazzo carismatico, talentuoso e avventuroso. Ha tutta la vita davanti a sé fino a quando all’età di 28 anni, dopo un viaggio in Africa, contrae la poliomielite restando paralizzato dal collo in giù.

Dalla depressione alla voglia di vivere il passo non è stato breve.

Quando sceglie la vita, con l’aiuto e la determinazione di sua moglie Diana e contro il parere di tutti,  viene dimesso dall’ospedale. Robin fa ritorno a casa con un’aspettativa di vita bassa, eppure i coniugi Cavendish ce la fanno, riescono a superare la disabilità. Hanno saputo convertire il dolore in gioia, le ferite in stelle. Perché ad un certo punto della sua esistenza Robin si rende conto che le possibilità sono due:  piangersi addosso o agire. Probabilmente, un giorno guardando sua moglie e partendo da una certezza, la malattia irreversibile, si è detto “Riorganizziamoci e decidiamo di proseguire”. Non sa quanto gli resta, vive ogni giorno come se fosse l’ultimo, scegliendo ogni mattina di smettere di lamentarsi e passare il resto del suo tempo ad amare, anche nella sofferenza.

Come Robin nella vita ci vuole coraggio. Sono i Piccoli Passi Possibili ad insegnarci l’arte di saper guardare a quanto la quotidianità sia straordinaria

“Lei ha cambiato il suo modo di vedere. Lui ha cambiato la vita di milioni di persone”

La scelta di raccontare al grande pubblico la storia di Robin Cavendish è stata di Jonathan Cavendish figlio di Robin, nonché produttore del film.  Un uomo dalle ampie prospettive, che come il padre ha un forte intuito, tale da comprendere che la storia della sua famiglia era qualcosa che non poteva tenere per se, ma valeva la pensa di essere raccontata. In un modo consumistico, dove siamo abituati a fare, ad essere, apparire, Robin Cavendish ci insegna che in natura non viviamo ma sopravviviamo travolti da una società che va sempre più veloce.

C’è chi maledice i propri calvari interiori, chi crolla sotto il peso dei propri fallimenti, chi ha difficoltà a concentrarsi su quello spiraglio di luce/speranza in una stanza vuota e chi come Robin, sa trasformare la propria croce in un’opportunità.  Grazie alla sua malattia e al suo coraggio, Robin Cavendish ha migliorato della qualità di vita di milioni di persone paralizzate.

“Scegliere di vivere è uno stato mentale”

Ogni tuo respiro  è molto di più che un semplice film. Sebbene i primi minuti sembrano l’intro delle solite pellicole biografiche/romanzate in versione english style. Ci si accorge, quando la Poliomielite fa il suo ingresso, che in realtà si tratta di una testimonianza di vita , dove la malattia non ha mai l’ultima parola. Anche nella disabilità la vita va vissuta attimo per attimo, quale dono e privilegio. Perché come insegna il film, c’è sempre una via d’uscita.  Basta saper guardare alle nostre situazioni e difficoltà con la giusta prospettiva e ci accorgeremo che la soluzione è a portata di mano.

Un messaggio trasmesso con ironia, semplicità e tanto coraggio. La scelta del produttore Jonathan Cavendish è di comunicare agli spettatori che vivere è uno stato mentale. Possiamo lamentarci, smettere di lottare, di pensare al futuro, come fa il protagonista nella prima parte della pellicola, o convertire i nostri pensieri  e restare stupiti di quante opportunità sono li che ci aspettano, per poter svoltare e oltrepassare i limiti che noi stessi ci imponiamo.

Nonostante il tema particolarmente forte, il film non appesantisce lo spettatore ma lo esalta in un’alternanza di paesaggi mozzafiato dai colori intesi che fanno da contrappeso a scene drammatiche

Una regia che ha saputo mettere su pellicola un film che non incupisce mai lo spettatore ma lo diverte, lo istiga, lo provoca in un mix di scene intese, per certi versi difficili da digerire, che si combinano alla perfezione con un sano humor inglese a scene dal sapore leggero e scanzonato.

Un ruolo difficile da interpretare, ma in cui Andrew Garfiel sa immedesimarsi fino quasi a trasformarsi

Molti potrebbero dire è semplice, è un attore, cosa ci vuole se sai recitare! Ma immaginatevi a recitare paralizzati. Le espressioni e le parole sono le protagoniste. Garfield come Foy hanno dato vita ad una performance straordinaria. Interpretare un paralitico, il suo dolore, le difficoltà motorie, la rabbia, la mimica limitata e poi quel viso che cambia e ti fa pensare “come diavolo ci riesce?”

“Ogni tuo respiro” – Andrew Garfield

Una regia impeccabile, conseguenza positiva di chi non si improvvisa, ma ha appreso l’essenza dell’arte cinematografica  

La direzione di Andy Serkis ci fa comprendere che lavorare nel cinema, dapprima come attore e poi esordire come regista, dà quel background che non tutti hanno. Ha saputo dar vita ad un prodotto filmico quasi impeccabile. Dagli arredamenti delle case, a quello degli ospedali, ai giardini. Le ambientazioni sono fedeli ad un’Inghilterra che cambia nel corso degli anni.  La stessa moda è una presenza forte ma non ruba mai la scena. La cura per i dettagli è forse l’ingrediente segreto per raccontare una biografia particolarmente intensa come quella di Robert Cavendish.

Dai titoli di coda al repertorio che non potete perdere

Durante il film vi chiederete come sarà mai il vero Cavendish e sua moglie. La vostra curiosità verrà esaudita. Scene di repertorio vengono trasmesse durante i titoli di coda. Dal matrimonio a Diana che spinge la carrozzella su una spiaggia, ma anche  il piccolo Jonathan con il papà. Insomma poche immagini sono sufficienti a farci calare nella realtà di questo uomo straordinario che ha saputo fare della sua vita un’opera d’arte.

In conclusione, Ogni tuo respiro, anche se dai toni molto british style, che personalmente amo, sa conquistare il cuore dello spettatore, coinvolgendolo emotivamente e accompagnandolo in un viaggio introspettivo.

Perché guardarlo?

In una società dove pensiamo che la felicità si trovi nelle apparenze, nella carriera, nelle frivolezze, il film ti colpisce in pieno destabilizzandoti fino al punto da rimetterti in discussione. E tu vuoi ancora vivacchiare più che vivere?

Angela Patalano

L’Esodo tratta un argomento sicuramente scomodo per tutti, probabilmente la più grossa vergogna avvenuta nel mondo del lavoro italiano.

Già questo rende l’Esodo meritevole di interesse, perché non molti si avventurano in questo limbo di infamia istituzionale. Dal mondo della cultura e dagli altri ambiti sociali, non è che ci si sia proprio battuti pubblicamente per sostenere questi cittadini defraudati delle loro certezze.

La storia si sviluppa avendo come sfondo il drammatico fenomeno degli esodati, momento sociale che ha visto la disperazione di migliaia di lavoratori. Nasce dalla ricerca personale di Ciro Formisano, che per tre anni ha seguito le loro vicende frequentandone le manifestazioni per raccogliere  testimonianze. Tra queste ha deciso di  raccontare quella di una donna, narrata senza inutili orpelli nella sua disperata realtà.

La dignità rimane sempre al centro della storia.

Una discesa verticale e improvvisa verso la povertà e l’indigenza, che costringerà la protagonista fino all’estrema scelta di fare l’elemosina. L’Esodo è un film di denuncia che in alcuni tratti sconfina nel documentario sociale vero e proprio. L’elemento centrale del film però non è il fenomeno degli esodati in se, ma la grande dignità con la quale le persone investite da questa barbarie sociale hanno reagito.

Una situazione vissuta quasi come un ingiustificato senso di colpa per la propria condizione. Le vicende personali di Francesca, interpretata da Daniela Poggi, mostrano la quotidianità che comporta una situazione del genere. Un attacco continuo alla propria autostima, l’imbarazzo davanti ai propri cari e la distruzione del proprio tessuto sociale. Il distacco dalla nipote Mary da sempre vissuta con lei, ma che non è in grado di accettare il cambiamento ed il vuoto umano che improvvisamente le si fa intorno.

L’Esodo mostra con chiarezza il cambio di prospettiva di una lavoratrice estirpata dalle sue certezze a sessant’anni, costretta senza preavviso a vedere la società, il paese e le istituzioni, in maniera totalmente nuova e ostile. La forza ostinata di non abbandonarsi alla disperazione cercando in ogni modo di far fronte alla situazione. Sempre nel rispetto di se stessa e dei propri valori personali.

Sperimentare una vita totalmente diversa anche nei rapporti umani.

In questo viaggio nella dimensione dei nuovi poveri, Francesca incontrerà sulla strada diversi personaggi, imparando piano piano a confrontarsi con loro e con la loro personale visione delle cose. Tra questi c’è Peter, il pittore tedesco interpretato da David White che vive a Roma da vent’anni. A lui è affidata la quota in positivo della vicenda, un messaggio di speranza e fiducia nel genere umano, che non viene meno anche quando si avrebbero tutti i motivi per non crederci più.

Simone Destrero nei panni di Cesare, rappresenta invece l’autenticità di quegli incontri di strada che possono essere più sinceri di tanti altri. La zingara interpretata da Rosaria De Cicco è il personaggio meno riuscito, ma non per colpa dell’attrice. Concepito nei dialoghi e nelle movenze quasi come una parte teatrale, risulta un pò avulso dall’aurea neorealista che veste le altre interpretazioni.

Una vicenda che indigna e che potrebbe essere quella di ognuno di noi.

Se lo scopo era quello di indignare le coscienze il film è certamente riuscito. Davanti ad alcune immagini non si può rimanere indifferenti, specialmente pensando che questa situazione non fa parte della storia ma è ancora il quotidiano di cinquemila persone. Lavoratori italiani, traditi in uno dei valori ormai fondamentali solo sulle pagine della costituzione Repubblicana.

Esistenze che quasi si nascondono tra noi con il coraggio di andare avanti, senza mollare di un millimetro quella dignità che in tutti i modi hanno cercato di strappargli da dosso. L’uso della fotografia sui particolari di alcune scene, aiuta a richiamare immediatamente alla memoria il ricordo di una Ministra che in virtù di chissà che, ha cambiato con una firma la vita di 380.000 persone.

Una burocrate che ancora oggi si sorprende di ricevere qualche insulto e che pensava che un piantarello in tv avrebbe risolto tutto. Alla fine l’Esodo rimane come importante testimonianza sociale, di un problema sempre troppo poco trattato in relazione alla sua gravita. Uno scomodo pasticcio Italiano, a cui non è mai stato dato sufficiente risalto. Nemmeno dalla stampa, che come emerge anche dal film, ha sfruttato il fenomeno più per fare del facile giornalismo di pancia che per altro.

Bruno Fulco

Dopo il grande successo del primo film, torna l’orsetto più affettuoso di Londra: Paddington.

Paddington è un orsetto proveniente dal Perù e prende il nome da una famosa stazione ferroviaria londinese; indossa un montgomery azzurro e un cappello rosso e mangia sempre un panino alla marmellata!

Il suo inventore è lo scrittore inglese Michael Bond, che lo ha reso protagonista di un libro intitolato “A Bear Called Paddington”, pubblicato nel 1958 da William Collins & Sons e illustrato da Peggy Fortnum. Michael Bond vide su uno scaffale di un negozio non lontano, da Paddington Station, un solitario orso di pezza. Era il Natale del 1956.

Sembra che l’idea del cartellino su cui i Brown leggono “Per favore, prendetevi cura di quest’orso. Grazie”  derivi da un vecchio ricordo di Bond sui bambini che, durante la Seconda Guerra Mondiale, venivano mandati fuori Londra in treno con una targhetta identificativa intorno al collo.

In questa avventura il dolce orsetto è soddisfatto della sua vita nella mansarda della casa dei Brown a Windsor Gardens, fra Notting Hill e Maida Vale. È a caccia del regalo perfetto per il centenario di zia Lucy, l’orsa che lo ha amorevolmente allevato nel “profondo e misterioso Perù”, finché non decide di comprarle un libro pop-up che si trova in un negozietto di antiquariato.

A causa del costo elevato si trova a svolgere una serie di lavori e, quando arriva ad un passo per l’acquisto, il libro sparisce misteriosamente.

Paddington nel primo film doveva fare i conti con la cattiva Nicole Kidman, qui invece con un attore viscido e narcisista: Phoenix Buchanan, alias Hugh Grant.

L’orsacchiotto e Phoenix hanno un interesse comune: il libro pop-up. Per Paddigton è un libro per raccontare Londra alla zia, invece per l’ex star anni ’80 è la chiave di un prezioso tesoro nascosto da Madame Kozlova, la capostipite e proprietaria di un circo russo.

Durante la fiera i due protagonisti si incontrato, così inizia l’avventura. La storia ci porta fino in prigione, dove Paddington riesce a sconvolgere totalmente l’ambiente.

In questa storia troviamo sia i vecchi personaggi, la famiglia Brown e il vicino ficasasso Mr. Curry, che i nuovi: il vicino smemorato, il burbero colonnello, la solitaria venditrice di giornali con il suo pappagallo e gli amici della prigione.

Mariavittoria è rimasta molto colpita dal cuoco della prigione che – a sua detta – sembra “Babbo Natale”. All’inizio è “cattivo” ma poi diventa amico di Paddington.

Il film è divertente ed emozionante: vi si trovano ancora il valore della gentilezza e della compassione, dell’ottimismo e della bontà.

Le risate di grandi e piccini non mancano, soprattutto nel finale, grazie alla meravigliosa interpretazione di Hugh Grant.

Mariavittoria è uscita dal cinema con la sua considerazione “Mamma vedi, anche la mamma di Cenerentola (film con Lily James) ripeteva sempre a Cenerentola che doveva essere gentile. Quindi dobbiamo essere gentili!”.

Paddington continua a conquistare con i suoi dolci modi, forse abbiamo bisogno di questa gentilezza e ha ragione Mariavittoria.

L’obiettivo del film è quello di “non giudicare un libro dalla copertina” e credo che sia stato raggiunto. Il nostro suggerimento e quello di correre al cinema dal 9 Novembre.

Alessandra Bonadies