Un terrazzamento biondo di spighe è ricavato nel palco, con un cielo curvo come la pagina di un libro illustrato. Le figure emergono dal grano ed è proprio quest’ultimo a dettare l’impressione dello scorrere del tempo. Sono le messi di una realtà contadina immersa in uno stallo surreale. Quella Sicilia percepita con l’occhio dell’osservatore silente, tirata da Verga a Vittorini e carica di illusioni e tramonti che spezzano l’orizzontalità del passare dei giorni. La Lupa torna così al Teatro Quirino, senza pretese di incredibili drammi, ma nella linearità di una vicenda di cuore e comunità. Lina Sastri veste i panni della ‘Gna Pina, la tanto maledetta Lupa, con Giuseppe Zeno a fare da uomo del desiderio: Nanni. La regia di Guglielmo Ferro veglia dall’alto e la scenografia di Françoise Raybaud attira lo sguardo tutto intorno.

“Vediamo se ti basta il cuore.“

Siccome non bisogna dare nulla per scontato, per chi non lo sapesse la storia in questione è un po’ una favola di vita reale: un documento orribile di qualcosa che potrebbe essere successo, connotato da una lampeggiante oscurità; la fame dell’istinto, del sesso. C’è una donna e la sua passione dirompente, la Lupa divora mariti, ed un uomo, un contadino, Nanni. Lui si confronta ambiguo con l’improvvisa volontà di lei di donarsi a lui; la scelta di un compagno che non ricambia si trasforma in un’ossessione fatale. Costretta la figlia a sposarlo al posto suo, resta in casa ad insidiare la salute del matrimonio. Non è forse lei la padrona della casa? E mentre il paese spettegola di maledizioni con la malizia di una massa di comari, lei tornerà ad ossessionare Nanni. Solo che stavolta lo troverà con la scure fra le mani. Se questa è la novella, l’adattamento teatrale è meno rapido, diluito, più semplice nella sua realtà. Quando l’istinto fa una richiesta che fuoriesce dal ritmo della comunità, non c’è scampo ad un destino crudele da ciascuno imposto. 

Lina Sastri è una Lupa quasi spagnola, con l’aria sensuale di un tango ammantato dal sudore del lavoro e dalla brezza della sera. Lungo è il vestito nero. Eppure, sebbene il sapore dell’isola profumi del sentore dei campi e dell’imprevedibile esplosione dei balli, non è del tutto Sicilia. È una scelta intelligente quella di limitare l’esasperazione del carattere dell’ambiente. Senza scadere in una ridicola parodia di se stessa, la scenografia e la voce dei personaggi non appesantisce il senso di appartenenza della storia. La Lupa è una novella italiana e italiana è la sua prosa, come ha spiegato Lina Sastri, intervistata il 19 novembre da Rai News 24. Così, di fronte ad un cast non del tutto originario dei luoghi, si è optato per una versione in cui il dialetto fosse più un’intonazione. Tutt’al più un richiamo leggero o un gesto, un andamento del passo. Insomma, piuttosto che imitare con tristi effetti qualcosa di non proprio, è stata vincente la tattica di rendere la parlata una libera componente della personalità di ciascun attore.

La Lupa però non perde il colore: rimane la sensualità struggente di una creatura innamorata, adulta nel corpo ma indifesa nella purezza del sentimento e del suo abbandono. Subdola nell’azione, vendicativa a suo modo, vive in una disperata preghiera del corpo, rivolta alla natura del paesaggio piuttosto che al dio del paese. L’uomo che ha scelto ha il tratto, la posa, la voce ossessionante. Non è un amore passivo né lei è debole, se non forse verso la comunità stessa, con la quale domina l’incomunicabilità di due linguaggi. Come ha raccontato Lina Sastri alle telecamere di Rai News, “[…] chi è libero a volte paga la sua libertà anche con la vita.“

Nanni e la Lupa sono anime calde, su uno sfondo dorato del quale solo loro paiono percepirne le carezze eccitanti del grano che danza. È quella fatica, quella realtà dolorante di Verga che qui si trasforma in un’altra faccia, salvata dalla rigida staticità della fede, dall’ottusità dei commenti, di cui comunque è vittima. Ecco, il lavoro produce una carica che dalla stanchezza evolve al contatto irresistibile tra vesti e corpi. Ardono, tesi e fessi dalla giornata, ma vivi ancora più in dentro. L’aria si vivifica di struggenti canzoni ed è poesia di colori artificiali sopra l’amore isolato della Lupa. Lei ed il suo canto di madre, di fertilità non ricambiata. 

“Maledetto chi si pente.” E in fondo è un maledettismo fatale ad animare il suo amore, dalle radici così profondamente scavate nell’antica forza delle identità umane. 

Ci sono però degli elementi nella messa in scena che lasciano perplessi. Un dubbio che trova conferma nei commenti del pubblico. L’audio si rivela un problema. È vero: non si può pretendere dalla voce di tutti la sensibilità di poter fare a meno dei microfoni, spesso indispensabili per motivi di acustica. Eppure, a voler essere franchi, stavolta le parole troppo spesso si confondono; manca la nitidezza del suono per poterlo comprendere fino all’ultima lettera pronunciata. Nel complesso, il fenomeno frustra il ritmo, l’ascolto e forse anche l’esecuzione. È difficile dire se sia un problema tecnico o anche solo un incidente. Nel dubbio, la Lupa resta la Lupa, ma capita che a volte la sua voce non arrivi.

Gabriele Di Donfrancesco
@GabriDDC

Da giovane i genitori lo costringono a fare cose che lui non ama, tipo mangiare il fegato. Proprio nel ristorante di Carlo, amico dei genitori, che avverrà un incontro con un ragazzo che a sua volta non ama questa pietanza, un giovane di Poggio Bustone, in provincia di Rieti: Lucio Battisti.

Antonio è adulto, non sa, non ricorda cosa è successo in tutti quegli anni. Si ritrova improvvisamente circondato di strani personaggi: il cinico e cocainomane cognato Remo, sua moglie Francesca, con la bocca simile a quella delle cernie, diventata completamente ambigua, lo strano chirurgo toscano che lo ha operato, e Giuseppe, l’arrivista ed egoista compagno siciliano in affari. Si capisce che Antonio, nel frattempo, è diventato un’altra persona, inghiottito da una società che spinge sempre di più a svendere i propri valori.  Antonio va sempre alla ricerca del suo vero io. Tutta la sua vita ha un denominatore comune: Lucio Battisti. Le sue canzoni, come E penso a te o I giardini di marzo, esprimono i suoi pensieri ed i suoi stati d’animo. Nell’ultima scena, Antonio va alla ricerca del suo amico Lucio a Poggio Bustone: ormai egli è già morto, ma insieme alla sua anima, al suo ricordo, vive ancora un’ultima emozione insieme: vedere Il Grande Dittatore di Charlie Chaplin.

Uno spettacolo affascinante, ironico e drammatico allo stesso tempo, raccontato attraverso lunghi flashback, scritto da Gianni Clementi, uno degli autori più interessanti del momento. Paolo Triestino, regista e unico attore dello spettacolo, si dimostra essere uno dei migliori attori italiani degli ultimi anni, essendo capace d’interpretare da solo tutti i personaggi sopra descritti con una bravura esorbitante, tale da farci capire che, in fondo, Antonio è uno di noi, essendo noi tutti personaggi di una società che, come in un gioco perverso, ci spinge verso un baratro, un annientamento dell’io. Nell’opera domina la voglia di libertà, libertà che in questi giorni è stata negata. Durante gli applausi finali, infatti, Paolo Triestino ha preso la sua chitarra ed ha cantato insieme al pubblico Il mio canto libero, con lo sfondo della bandiera francese. Un chiaro omaggio alle vittime di questo vile attentato, e a tutte le vittime della violenza.

Molto bello l’impianto scenico di Max Quaranta, molto semplice ed efficace (uno sfondo sempre illuminato con vari colori che diventa schermo cinematografico, tre poltrone che sono contemporaneamente letto, sedili di una macchina e poltroncine da cinema, ed un porta chitarra con lo strumento sopra. Essa è la vera e propria compagna di viaggio ed unica confidente del protagonista). Molto interessanti anche le luci di Giuseppe Magagnini, le elaborazioni video di Fabiana Dantinelli, la locandina di Gabriele Gelsi e le foto di scena di Annalisa Borrelli, la quale è stata, insieme ad Ariele Vincenti, anche aiutoregista. Da citare giustamente anche la grafica di Marco Animobono e l’organizzazione di Alessandra Cotogno.

Catapultiamoci in una gioia per gli occhi adatta agli appassionati, come ai nuovi arrivati.

Per provare qualcosa di diverso ed inaspettato, la nostra redazione ha voluto allargare i propri orizzonti culturali per includere la sensuale arte del Burlesque. L’occasione ci è stata offerta dalla terza edizione del Caput Mundi International Burlesque Award, svoltosi a Roma dal 6 all’8 novembre. La prima serata ha visto l’elezione della nuova papessa del Burlesque, ma la nostra redazione ha potuto partecipare solo al secondo appuntamento in programma. Qui le cose si complicano ed assumono un aspetto totalmente diverso. Non vi è più l’atmosfera del grande palco e le luci si riducono. Con un alone di mistero, giostrato da una divertita complicità, un luogo “segreto” diventa teatro di allettanti rivelazioni senza veli. È il Burly Speakeasy: una sala nascosta a via Veneto, che perderebbe di fascino a specificarne la posizione. In uno spazio ristretto e caldo, si raggruppano spettatori di ogni tipo, riccamente vestiti a tema e perfettamente a loro agio nella sensualità dei costumi e nella tensione dei ruoli. Sono luoghi intimi, estemporanei, secondo la tradizione dello Speakeasy. Una dimensione che arriva dall’America del proibizionismo e racconta di un posto di riunione dove tutto è concesso, purché fuori non se ne faccia parola. Allarghiamo allora questa suadente complicità, per descrivere ai nostri lettori la magia della serata.

Un’eleganza speciale dal gusto retro ammanta gli ambienti. Tutto merito della musica degli Sticky Bones, gruppo specializzato in jazz e sonorità americane del primo novecento. In particolare, la voce solista ci regala un canto evocativo, passionale e disinteressato, quasi senza sforzo nella vibrata potenza della voce. Abbiamo allora aspettato ed aspettato e più passava il tempo, più l’attesa si trasformava in una compagnia sensuale che anelava la comparsa degli artisti. Poi, al momento giusto, caricati dal desiderio di scoprire cosa si preparava ai nostri sensi, la presentatrice della serata ha fatto il suo ingresso. Sarebbe più corretto definirla la “Mistress” della cerimonia, nel suo costume circense e dispettoso: la travolgente Vibrissa, col suo assistente Azzurro Fumo. Così la dimensione che fin’ora si era espressa con la musica, interrompeva la nostra quotidianità con l’euforia dello Speakeasy. Roma cambiava aspetto ed ammiccava divertita.

Ecco Michelle L’Amour impegnata in una peculiare esibizione d’orchestra. Copyright Diego Fioravanti

Gli artisti si susseguono uno dopo l’altro nell’allegria dello spazio a loro riservato dalla massa di avventori. Ad aprire le danze è un ospite speciale, Russel Bruner, rappresentante per noi di un Burlesque al maschile, tra giacche e doppiopetto facili da sbottonare. Lontano dalle forme massicce di un uomo, segue la pure poesia di una figura sinuosa. Le sue piume parlano del fascino degli anni del jazz. Veli di seta si gonfiano dolcemente al roteare del corpo. Il suo nome d’arte è Mara De Nudée e la sua serenità ovattata stride col numero esuberante della lirica Simone The Boudoir. Continua così la divertita giostra di provocazioni sorridenti ed abiti volanti, in un contesto che a suo modo riesce a scacciare ogni volgarità col fascino calcolato e studiato di un codice professionale. Allora il particolare rapporto con la Bibbia di Miss Cool Cat è un’esuberante esplosione rossa e il corpetto di pietre verdi e rubini di Talulah Blue una scossa di bollente ritmo latino. Contrastato dalla sua carnagione è il senso onirico di un Latinoamerica immaginato da bambini, spezzato dalla forza erotica di un nudo atletico. A concludere la complicità di artisti dai corpi fatali è l’esibizione d’orchestra di Michelle L’Amour. Una rapida occhiata nel web potrà colmare la curiosità dei lettori decisi a lasciare la dolcezza delle lettere per la parola delle immagini.

Che dire. Senza un sipario da far calare, nel calore assuefante dello Speakeasy si spezzano i pesi delle convenzioni. Il ruolo e l’abito, per una volta, diventano un gioco sapientemente architettato, fra le piume di un costume ed un guanto gettato.

Lo spettacolo è in rima e la traduzione del testo ci fa ridere ed emozionare. Le luci si spengono e le aspettative aumentano quando il sipario si apre e sul palco c’è una scenografia mozzafiato. Gli attori si servono anche della platea per narrare la storia d’amore tra Cyrano e Rossana. Ma se entriamo nei sentimenti di questo personaggio, non è con Rossana che Cyrano ha un problema, perché lui le donne le ama, le rispetta e le fa innamorare, con le sue parole da poeta raffinato. Il vero problema ce l’ha con il suo aspetto, il suo naso, che lo mette sempre davanti a paure e rischi che non è pronto a superare.

Cyrano, Cristiano e Rossana

Scenografia a “scatola”

La scenografia fa da scatola su questa enorme piattaforma: ad ogni cambio di scena si apre una “finestra”, nuovo sfondo per il racconto. L’immaginazione a teatro deve essere attivata, cosa che avviene  immediatamente quando la scenografia non è quella classica che ci aspetteremmo. Il lavoro qui è stato fatto molto bene e gli attori hanno saputo dominare a fondo lo spazio a loro disposizione.

La regia esperta di Matteo Alfonso e Carlo Sciaccalunga, l’ottima traduzione di Mario Giobbe, e le scene di Giudo Fiorato hanno senz’altro fatto centro nel cuore degli spettatori del Teatro Parioli di Roma. 

Elena Lazzari

Questo è il percorso intrapreso dalla Compagnia Menoventi per il progetto ASCOLTATE!, una raccolta di interventi performativi dedicati ad alcune città italiane realizzati in collaborazione con E-production ed, in questo caso, anche con il Festival Teatri di Vetro, giunto alla sua nona edizione.

Ogni performance sarà una voce, e per ciascuna di esse si raccoglieranno questionari – elaborati anche con l’aiuto di sociologi – atti ad indagare differenti aspetti per ogni città coinvolta. Gli verranno poi raccolti, assemblati e trasformati da Gianni Farina e Consuelo Battiston attraverso un lavoro di composizione drammaturgica.

La prima di queste voci è stata dedicata a Roma e la performance si è tenuta giovedì 5 novembre 2015 presso il Teatro Vascello.

La scenografia curata da Laura Bulzaga si presenta scarna, vi è solo un podio con un microfono. Ad un certo punto arriva una ragazza con zaino in spalla. Poggia il suo zaino e comincia a leggere. Da questi interventi viene fuori l’immagine autentica di Roma, raccontata attraverso lo sguardo del turista. Roma è affascinante, ammaliante, una città che ti fa sognare, ma allo stesso tempo è anche una città difficile, piena di problemi; una città talmente ricca di monumenti e storia da stordire il turista, il quale si sente soffocato. Il rapporto con i romani non è sempre facile.
Dopo aver finito di leggere ogni cartolina, queste venivano buttate per terra, creando alla fine quasi un tappeto colorato, attirando la curiosità morbosa d’alcuni spettatori, che a fine performance sono andati a leggerle.

La giovane e bravissima Consuelo Battiston non era semplicemente una turista, ma sembrava essere Roma stessa che si presenta al suo pubblico. Veramente brava ed emozionante, anche nell’accentuare i contrasti, con netti cambi di registro vocale quando, dagli aspetti positivi, passava a descrivere gli aspetti negativi di questa città e viceversa, aiutata da un’elaborazione sonora di Mirto Baliani. Lo spettacolo è stato veramente bello perché l’immagine che ne veniva fuori era anche frutto del punto di vista della compagnia, che ha creato un’immagine unica di Roma.

Molto interessanti anche gli interventi di Gianni Farina, che con la sua voce poneva delle domande alla pseudo-turista ed è intervenuto proprio nello spettacolo. Bisogna anche citare doverosamente la collaborazione di Luigi Dadina e Vittorio Giacopino per la messa in scena dello spettacolo, la raccolta del materiale, le interviste e le traduzioni a cura di Beatrice Buzi e Ludovico Orsini Baroni e l’organizzazione di Nera Pieri.

(Foto Enea Tomei)

La Compagnia Teatrodilina quest’anno ha presentato al Teatro dell’Orologio tre nuovi spettacoli, tra cui “Banane”. Un titolo insolito ma molto azzeccato per questa divertente messa in scena. I due amici Elio e Pino partono per Lecce per incontrare la cugina di uno dei due, Palma. Arrivati a Lecce incontreranno non solo lei, ma anche Max, il suo fidanzato alquanto strano e inconsueto.

La penna di Francesco Lagi è divertente e pungente, drammatica e malinconica. La storia di per sé non è troppo complicata ma lascia un senso di malinconia addosso. I dialoghi non sono così necessari per capire che dietro ad ognuno dei personaggi si cela una piccola o grande patologia, psicosi. Sono sempre insieme ma, allo stesso tempo, da soli. Disgraziati ma felici, sognatori ma realisti. Il regista ci mette a disposizione delle figure apparentemente normali in cui ognuno di noi si può riconoscere.

Dopo aver replicato il proprio successo al Teatro Aleksandrinskij di San Pietroburgo, Il Giardino dei Ciliegi approda al Teatro Quirino di Roma. È un viaggio iniziato al Napoli Teatro Festival 2014 e protratto in giro per l’Italia. Stavolta Cechov passa per le mani della regia di Luca De Fusco. Alla base dell’approccio al testo vi è l’intuizione, condivisa con Andrej Konchalovskij, di rilevare una decadente affinità tra l’aristocrazia russa e quella del meridione italiano. Le due realtà sono vicine nell’incapacità di adattarsi all’avanzare della società borghese. Sapranno solo frantumarsi all’interno di una comunità in cui non significheranno più nulla. La vicenda si svolge al tramonto dell’Ottocento e immortala il passaggio da una realtà all’altra. Nello specifico, è la storia di una famiglia aristocratica, riunita nuovamente per l’estate nella villa di campagna. È una casa circondata da un boschetto, che ne è motivo del nome e la rende famosa nella regione. Un giardino di ciliegi, per l’appunto. Nonostante il mantenimento delle apparenze, la loro fortuna è in rovina e il luogo è stato messo all’asta per coprire i debiti. Di fronte allo sciacallaggio della nascente borghesia, la famiglia non saprà far altro che assistere, austera e sorda, al proprio brusco crollo. La parlata meridionale, scelta a completamento della trasposizione ambientale, è una leggera presenza, che si fa sentire timida, solo ogni tanto e con eleganza.

L’adattamento di Luca De Fusco si impegna a rappresentare un panorama di gesso, dai bordi sbriciolati ed erosi nel tempo. Questa scenografia di Maurizio Balò gioca con le crepe e le suggestioni di una villa nostrana, nel biancore di una casa sul mare. Placidamente in rovina, troviamo sul palco un cortile delineato da alte pareti. Una scala fatiscente conduce al suo interno; un alternarsi di oggetti rende lo spazio aperto sul giardino o chiuso, come una grande stanza signorile. Vi sono intrappolate figure di cera, quasi fantasmi sbiaditi, la cui compostezza si avvicina a dei mobili coperti da spessi lenzuoli. È una realtà in cui ogni elemento è bianco, in un’atmosfera che ricorda il candore della memoria ma anche quella monotonia neutrale, ispirante morte. È come se tutto fosse stato coperto da cenere vulcanica. Le musiche originali di Ran Bagno si inseriscono nel quadro come le note gelate di un carillon, i cui ingranaggi, messi in moto dalla melodia di punte d’ottone, trascinano pupazzi di metallo. I personaggi sono dunque giocattoli danzanti in una coreografia dal senso comico affogato nell’inquietudine. Il loro limbo è una trappola da cui non possono sottrarsi, mentre ruotano sul proprio corpo, ignorandosi l’uno con l’altro per nascondere il senso di un fallimento che non è solo personale, ma di classe. L’epoca si riflette nel loro microcosmo e con eleganza si completa degli squisiti costumi, bianchi anch’essi, di Maurizio Millenotti. Nel pietrificante candore, ogni vita sul palco è preda di se stessa e del proprio passato, in un continuo parlare che maschera un sottotesto di ben altre vicende. Sono dei trascorsi che sfuggono al controllo e si scaricano nella forza istintiva di un volto, nel tremore di un gesto; nello sfuggire di un dettaglio. Assistiamo infatti ad un esito, non ad una vicenda. Siamo spettatori del finale di una macchina già avviata al suo approdo e mandata avanti per inerzia. Troviamo la madre, Ljuba, lo zio, figli, nipoti, servi. Poi Lopachin, l’unico estraneo a questo mondo di vetro e dotato della forza per spezzarne il pallore. È il personaggio interpretato da Claudio di Palma: il borghese nato dal nulla e col lavoro arrivato in cima alla catena sociale. Davanti al suo pragmatismo la poetica aristocrazia si frantuma. È un Lopachin dall’espressività potente. Un divoratore con la biacca sciolta sul volto e la risata ambigua, selvaggia. Quella di un amico che si vendica sugli antenati degli altri e non può non farlo, perché è il suo momento: l’ora dello scorpione. L’intrattenimento allora si manifesta nella fatalità. Le parole cambiano tono espressivo a metà frase: Lopachin, il figlio dei servi di un tempo, ha comprato il Giardino e lo abbatterà e con esso la casa tutta. Costruirà villini. I ciliegi cadranno uno ad uno davanti ad una Ljuba imperscrutabile e sensuale, interpretata dalla splendida Gaia Aprea. Il suo volto ammutolisce nell’incredulità: una meravigliosa bambola di un tempo che non potrà più tornare, ferma sulle note di un valzer crudele e di una scala ghiacciata.