34° TORINO FILM FESTIVAL – I PREMI UFFICIALI

Torino, 26 novembre 2016

TORINO 34

La Giuria di Torino 34 – Concorso Internazionale Lungometraggi, composta da Ed Lachman (USA, presidente), Don McKellar (Canada),Mariette Rissenbeek (Germania), Adrian Sitaru (Romania), Hadas Yaron (Israele), assegna i premi:

Miglior film(€ 15.000) a:

Juan Zeng Zhe / The Donor di Qiwu Zang (Cina, 2016)

Con la seguente motivazione:

“Siamo onorati di assegnare il premio a un film così meravigliosamente penetrante e così poetico nella narrazione, nella performance, nella comprensione del mondo in cui proviamo a vivere. Pensiamo di aver trovato una nuova voce del cinema cinese che ci arricchirà tutti. Grazie”.

—————————————

Premio Speciale della giuria – Fondazione Sandretto Re Rebaudengo (€ 7.000) a:

Los decentes di Lukas Valenta Rinner (Austria/Corea Del Sud/Argentina, 2016)

Con la seguente motivazione:

“Questo film ci porta in un viaggio con Belén, una collaboratrice domestica di una ricca famiglia in un quartiere sorvegliato e recintato, che trova una via di fuga dal suo mondo claustrofobico quando scopre una comunità di nudisti che vive al di là del recinto. Los decentes esplora con grande sensibilità e penetrante spirito di osservazione l’impatto che questa nuova libertà ha sulla vita della donna. Allo stesso tempo, questa libertà provoca la reazione della borghesia del quartiere. Diamo il Premio Speciale della Giuria a questo film audace e originale”.

                                                    ————————————

Premio per la Miglior attrice a:

Rebecca Hall per il film Christine di Antonio Campos (USA, 2016)

Con la seguente motivazione:

“L’attrice, con una fortissima presenza scenica e le molte sfumature della sua performance è riuscita a ritrarre perfettamente un personaggio commovente che è in conflitto emotivo con se stesso.”

Premio per il Miglior attore a:

Nicolas Duran per il film Jesusdi Fernando Guzzoni (Cile/Francia, 2016)

Con la seguente motivazione:

“Per un ritratto molto credibile, che veicola una gamma di emozioni, da parte di un talento così giovane e promettente”.

————————————————-

Premio per la Miglior sceneggiatura a:

Juan Zeng Zhe / The Donor di Qiwu Zang (Cina, 2016)

Con la seguente motivazione:

“Forse saremmo stati influenzati dall’ambiente che ci circonda, ma la giuria è rimasta colpita da questo film duro ed emotivamente devastante, che mostra come la tradizione del Neorealismo italiano sia ancora viva in angoli remoti del globo”.

—————————————————-

Premio del pubblico a:

Wir Sind die Flut / We Are the Tide di Sebastian Hilger (Germania, 2016)

TFFdoc

INTERNAZIONALE.DOC

La Giuria di Internazionale.doc, composta da Kamal Aljafari, Ann Carolin Renninger, Gaël Teicher, assegna i seguenti premi:

Miglior film per Internazionale.doc (€ 5.000) a:

Houses Without Doors di Avo Kaprealian (Siria/Libano, 2016)

Con la seguente motivazione:

“In una situazione impossibile, ci fa vedere l’impossibile – dal balcone di casa egli guarda il mondo intero. Ci fa sentire come i siriani e gli armeni rappresentino tutta l’umanità e ci restituisce la fiducia nella capacità del cinema di aiutare tutti gli essere umani a esistere e a resistere in ogni epoca”.

Premio Speciale della giuria per Internazionale.doc a:

Attaque di Carmit Harash (Francia, 2016)

Con la seguente motivazione:

“Perché si pone nel cuore del caos sollevando interrogativi sulle tante immagini che ci circondano, con uno spirito libero e con uno humour che aiutano a prendere le distanze e a sconfiggere la depressione, perché propone di non credere alle immagini ma trattarle in modo originale e nuovo”.

ITALIANA.DOC

La Giuria di Italiana.doc, composta da Eleonora Danco, Luciano Rigolini, Marcello Sannino, assegna i seguenti premi:

Miglior Film per Italiana.doc (€ 5.000) a:

Sarodi Enrico Maria Artale (Italia, 2016)

Con la seguente motivazione:

“Un viaggio alla ricerca di un padre mai conosciuto. Un documentario intimo e spiazzante diretto con incredibile lucidità e rigore. L’autore riesce a trattare la sua storia con intensità e coraggio, attraverso una struttura narrativa coinvolgente dove la dimensione personale diventa universale”.

Premio Speciale della giuria per Italiana.doc a:

Moo Yadi Filippo Ticozzi (Italia, 2016)

Con la seguente motivazione:

“Un documentario intenso e raffinato. Uno sguardo poetico che scava un territorio segnato da un trauma di violenza e morte la cui memoria è viva nel protagonista Opio e nelle persone che incontriamo. Il regista riesce a creare con sensibilità e rigore una vera mimesi tra la temporalità filmica ed il tempo sospeso della vita quotidiana dove la natura è una lunga lacrima colorata”.

Assegna inoltre una menzione speciale a:

A Bitter Story di Francesca Bono (Italia, 2016)

Con la seguente motivazione:

“La giovane autrice decide di confrontarsi con una delle questioni sociali più imminenti: l’integrazione. Gli adolescenti di una piccola comunità cinese che affrontano le decisioni sul proprio futuro sospesi in un limbo identitario e territoriale.

Un approccio formale e psicologico audace che fa uso della messa in scena non escludendo momenti di autentica intimità, riuscendo così ad andare oltre il realismo frontale senza perdere la sincerità”.

ITALIANA.CORTI

La Giuria di Italiana.corti, composta da Colapesce, Lucia Veronesi, Matteo Zoppis, assegna i seguenti premi:

Premio Chicca Richelmy per il Miglior film (€ 2.000 offerti da Associazione Chicca Richelmy) a:

Ex voto di Fabrizio Paterniti Martello (Italia, 2016)

Con la seguente motivazione:

“Il film racconta la tradizione di un luogo diviso fra sacro e profano e ci restituisce poeticamente l’immagine di un’Italia divisa tra tradizione e modernità”.

Premio Speciale della giuria a:

Il futuro di Era di Luis Fulvio (Italia, 2016)

Con la seguente motivazione:

“Il film scolpisce la metafora della condizione umana. Propone una chiave di lettura attuale della continua e ossessiva ricerca della bellezza attraverso la sua distruzione”.

PREMIO FIPRESCI

La Giuria del Premio Fipresci, composta da Frédéric Jaeger, Yael Shuv e Gianlorenzo Franzi, assegna il Premio per il Miglior film a:

Les derniers parisiens di Hamè Bourokba e Ekoué Labitey (Francia, 2016)

Con la seguente motivazione:

“Una storia attuale raccontata con empatia e urgenza, con un tocco leggero. Les Derniers Parisiens narra il difficile rapporto tra due fratelli migranti che cercano di sbarcare il lunario a Parigi. Offre uno sguardo della vita a Pigalle e scorci sulle molte storie accennate sullo schermo”.

PREMIO CIPPUTI

La Giuria, composta da Francesco TullioAltan, Mariano Morace, Costanza Quatriglio assegna il Premio Cipputi 2016 – Miglior film sul mondo del lavoro a:

Lao Shi / Old Stone di Johnny Ma (Cina/Canada, 2016)

Con la seguente motivazione:

“Per lo stile sospeso fra la cronaca vera e lo stato d’allucinazione con cui Johnny Ma segue la fulminante odissea tragica di un taxista rimasto coinvolto in un incidente stradale. La responsabilità non era sua, ma il senso di colpa per avere fatto sprofondare un ragazzino in coma profondo è ossessivo: niente e nessuno lo aiuteranno, né gli amici, né la famiglia sempre meno comprensiva e affettuosa, né tanto meno gli squali burocrati delle società d’assicurazione. La perdita del lavoro quotidiano provoca un fatale smarrimento dell’identità. Ognuno è solo sul cuore della terra, e il buio si avvicina”.

Un ringraziamento a quanti hanno sostenuto il 34° Torino Film Festival.

Con il contributo di: Ministero per i Beni e le Attività Culturali, Regione Piemonte, Città di Torino.

Con il sostegno di: Compagnia di San Paolo, Fondazione CRT.

Main Media Partner: Rai.

Main Sponsor: Intesa Sanpaolo, Fiat.

Sponsor: Equilibra.

Vettore ufficiale: AirFrance.

Partner culturali: Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Associazione Chicca Richelmy, IED Torino, Fondazione ITS per l’ICT, Università degli Studi di Torino, Fondazione Ente dello Spettacolo, MyMovies.it, Contemporary Art Torino Piemonte, Fondazione per la cultura Torino.

Partner tecnici: Coop, Martini, Acqua Panna, Caffè Vergnano.

Partner: Sagat, Rear, Euphon, Sub-ti, Soft Solutions.

Media partner: Rai Movie, Rai News24, Rai Radio 2, Rai Radio 3, Torino Sette, Fred Radio, Cinecittà News, Movieplayer.it, , Giornalettismo,  Ildocumentario.it, Festival Scope.

Non fatevi ingannare dal titolo, il film non è affatto un adattamento di uno dei più celeberrimi drammi di William Shakespeare e nemmeno un racconto su uno dei suoi più popolari e riusciti personaggi. In realtà Lady Macbeth è tratto dal quasi omonimo romanzo russo del 1865 di Nikolaj Leskov, sul quale però l’influenza del Bardo, soprattutto nell’evoluzione psicologica della protagonista, è piuttosto lampante.

Il film, forse proprio staccarsi dalla semi-sconosciuta fonte russa e riagganciarsi alla tradizione letteraria britannica, muove l’ambientazione della storia nella fredda e grigia Inghilterra rurale dell’età vittoriana, pagando visivamente debito ad un mondo che pare uscire da un romanzo delle sorelle Brontë. Come ormai avrete colto, date anche le citazioni letterarie evidenti, un film così non poteva che scaturire da un regista anomalo per il mondo del cinema: dietro la macchina da presa c’è infatti William Oldroyd, drammaturgo teatrale qui al suo esordio al cinema.

Ciò che però importa, ed è figlio di tutto quanto detto finora, è quello che accade davanti alla macchina da presa: ora, qualcuno potrebbe dire “non accade nulla” almeno all’inizio, ma il punto è proprio quello. Con una resa stilistica asciuttissima e più distaccata possibile, attraverso lunghe inquadrature fisse, Lady Macbeth ci introduce al mondo della formalità nobiliare, in cui i riti, le tradizioni e gli status sociali dominano ed il tempo è scandito dal dolce far niente. Ciò è ancora più pesante per la dimensione femminile, a cui è riservato un ruolo ancora più schiacciato e sempre derivato da un matrimonio di convenienza senza amore. Lady Macbeth è il ritratto della noia di una donna, la cui vita praticamente non esiste, e di come lei provi a sconfiggerla lasciandosi travolgere da sentimenti e istinti, che siano positivi come l’amore passionale o negativi come la macchinazione per l’omicidio. Tutto insomma pur di provare per un attimo il brivido della vita vera, tutto per sentirsi autenticamente vivi.

Accompagnato dall’occhio scenico di Oldroyd, la cui formazione è utilissima alla composizione di inquadrature quasi pittoriche ricreate dai costumi sontuosi e dalla fotografia perfetta, Lady Macbeth si dipana per quello che realmente è, un dramma psicologico dai risvolti agghiaccianti se non perversi. Attraverso infatti le manipolazioni della protagonista che vanno indubbiamente a richiamare il personaggio shakespeariano a cui si ispira il titolo del romanzo originale, il film affronta una vastità di chiavi di lettura: la critica all’etica forzata, la critica alle classi sociali, la critica all’oppressione maschile, tutto è giocato costantemente in bilico sul labile filo tessuto dalle azioni della protagonista, da un lato viste come esplosione della follia umana figlia della noia e della solitudine, ma dall’altro lato viste anche – o forse soprattutto – come forma di ribellione femminile e femminista contro una sorte personale e condizione sociale creata dagli uomini. E come se non bastasse, rifacendosi alla dimensione culturale dell’adattamento recente di Cime Tempestose di Andrea Arnold, film col quale non a caso condivide la rigorosissima messa in scena, il regista Oldroyd aggiunge anche il discorso sulla discriminazione razziale, perfetto specchio delle girevoli sorti della protagonista e soprattutto in grado di rendere socialmente contemporaneo il dramma del racconto umano.

Le soffocanti inquadrature di Oldroyd non imbrigliano comunque il talento della giovane protagonista Florence Pugh, vera rivelazione e motore del film che domina scena dopo scena. Sono loro, attrice e regista, a trasformare quello che sulla carta poteva essere un semplice dramma gotico in un opprimente ritratto psicologico e sociale, sicuramente non per tutti i gusti ma in grado di lasciare un segno intenso.

Emanuele D’Aniello

La regista e sceneggiatrice Anna Biller torna al Torino Film Festival dopo Viva, film che riscosse l’approvazione della critica, omaggiando ancora una volta i Sex- thriller degli anni ’60 con The Love Witch, un lavoro unico scritto, diretto e progettato dalla Biller, dai costumi alla scenografia.

Elaine è una giovane strega con un grande problema: ama troppo. La sua vita sentimentale si è rivelata molto travagliata, il suo sogno è quello di trovare un uomo sincero che le dia amore e fedeltà. Dopo la morte del suo primo marito, si trasferisce in una nuova cittadina dove, nel suo appartamento vittoriano, si dedica a preparare incantesimi e pozioni da utilizzare su soggetti maschili per poi sedurli. Nel nuovo ambiente, Elaine non ha molti problemi a trovare uomini da ammaliare, ma i suoi incantesimi funzionano talmente bene da portare i prescelti all’esasperazione amorosa, fino a raggiungere situazioni spiacevoli. La strega però non si arrende e crede di aver trovato il suo vero amore nel detective Griff, affascinante poliziotto che sta indagando proprio su di lei.

Con un ritorno alle scene in Technicolor ispirate agli anni ’70, girate in 35mm, misto ad uno stile vittoriano con set sgargianti ed una colonna sonora tendente al rococò, la Biller ci presenta un film che offre non solo una gradevole qualità visiva ma anche una prospettiva femminista sui bisogni emotivi e sessuali degli uomini, a volte molto verosimili. La bellissima Samantha Robinson protagonista è padrona della scena, interpretando in maniera ironica e credibile la bella Elaine. L’unica pecca del film è, sicuramente, l’eccessiva lunghezza. Due ore sono troppe per un lavoro che in un’ora e mezza, o anche meno, avrebbe allietato molto di più lo spettatore, preso inizialmente dalla sferzante ironia e dal brio del racconto.

Ilaria Scognamiglio

Tra le tante proposte del Torino Film Festival di quest’anno, in anteprima nazionale è stato presentato Free State Of Jones, l’ultimo lavoro di Gary Ross che, per chi non lo conoscesse, è stato regista di Hunger Games e Pleasentville.

Stavolta Ross si è cimentato in un action-drama  ambientato durante la Guerra Civile Americana e basato su fatti realmente accaduti. Protagonista Newton Knight, interpretato da Matthew McConaughey, disertore dell’esercito confederato. Knight, arruolato come infermiere, decide di abbandonare il campo di battaglia dopo che suo nipote Daniel viene ucciso dal nemico. Per riportare a casa il corpo, Newt torna nella contea di Jones dalla sua famiglia e decide di ribellarsi alle ingiustizie della Confederazione. Pian piano, Knight forma un’opposizione a quella che venne chiamata “la guerra dell’uomo ricco combattuta dall’uomo povero”, prendend le armi contro la Confederazione formando un indomito reggimento ribelle tra le paludi impenetrabili del profondo Mississipi, riuscendo a strappare numerosi vantaggi tattici nonostante l’esercito fosse più numeroso e meglio armato. Knight ne fu il visionario leader, strenue oppositore dello sfruttamento e del pregiudizio e fondatore della prima comunità mista della regione; una figura influente molto a lungo dopo la guerra, alternativamente celebrata o vilipesa.

In parallelo, tramite ripetuti flash forward, viene raccontata a vicenda di un processo, avvenuto nel 1948, dello Stato del Mississipi contro Davis Knight, imputato chiave sul matrimonio misto, e pronipote di Newt Knight e della sua compagna di vita, una contadina schiava di nome Rachel.

Un progetto epico e con molte aspettative quello di Gary Ross che, purtroppo, le delude risutando un prodotto eccessivamente lungo e con una regia fredda e distccata, malgrado il grande messaggio che porta con sè. Numerose sono le lacune presenti nel film, prima tra tutte l’inerpretazione di Matthew McConaughey che non sembra per nulla a suo agio nel ruolo così complesso di Newton Knight, rendendolo poco credibile. La sceneggiatura, inoltre, scritta dallo steso Ross risulta colma di dialoghi retorici e inadeguati per i personaggi, tra l’altro poco caratterizzati rispetto al protagonista. Una delle idee buone che Free State of Jones porta al suo interno è, invece, l’alternanza di scene ambientate 85 anni dopo, durante il processo di Davis, che rendono l’andamento del film leggermente più scorrevole e intressante.

Nonstante le ottime intenzioni, Free State of Jones non stupisce nè allieta lo spettatore durante la proiezione, un film che non va oltre all’impeccabile ricostruzione stile Hollywood e alle scene da war movie viste e riviste.

Ilaria Scognamiglio

E’ curioso e senz’altro bizzarro il fatto che l’allucinante e tragica storia vera di Christine Chubbuck non sia mai stata portata al cinema. D’altro canto però, è anche normale che il cinema più hollywoodiano abbia lasciato sotto traccia una conclusione così drammatica, delegando tale responsabilità al cinema indipendente.

In ogni caso, la storia di Christine Chubbuck meritava sicuramente di essere raccontata, soprattutto perché non definita solo dal suo brutto finale: è la storia, dopotutto, di un essere umano che soffre proprio per il silenzio che gli sta attorno.

“Non ho capito la domanda”

Tutti noi, in un modo o nell’altro, cerchiamo risposte nel mondo e dal mondo, risposte che definiscano la nostra stessa vita. Le domande esistenziali che fin dalla notte dei tempi ci poniamo hanno un ruolo fondamentale e costante nel nostro cammino, ma conducono sempre ad un vicolo cieco. Allora forse il vero punto non è afferrare le risposte, ma capire che in realtà non abbiamo mai capito le vere domande. Christine nel film ad un certo punto dice tale frase – in contesto particolare e non legato al discorso che sto tentanto di approcciare – e forse involontariamente ha colto tutta l’essenza della vita, e quindi la fonte dei suoi problemi.

Christine è una donna brillante, dal carattere difficile ma forte, determinata e assolutamente amante del proprio lavoro di giornalista, che affronta con una passione innata. Ma è soprattutto una donna problematica, e come tale incapace di affrontare di petto le difficoltà, che inevitabilmente finiscono per sommarsi e moltiplicarsi per le leggi secondo le leggi più infami dell’universo. Christine, appunto, è una donna, sfortunata che non ha capito le domande che il mondo le pone davanti, e non sa quindi come affrontare un lavoro televisivo sempre più virato al sensazionalismo, non sa come affrontare una vita sentimentale sempre più arida, non sa come affrontare un rapporto materno quasi inesistente.

Christine non sa fare tali cose non per colpa sua, e questo è il punto primario che porta alla sua terrificante scelta finale.

Lungi dall’essere un film che spettacolarizza una tragedia puramente umana, e saggiamente nemmeno l’ennesimo banale film sul giornalismo che perde la propria integrità, il film di Antonio Campos è un feroce quanto veritiero ed onestissimo character study su una donna priva dei mezzi per affrontare le avversità quotidiane. Rigoroso nella messa in scena e nel tono via via sempre più psicologicamente agghiacciante – l’appuntamento galante che diventa terapia ne è uno spiacevole esempio – Christine è efficace soprattutto per la maestosa performance di Rebecca Hall, il cui volto è la tavolozza perfetta per ritrarre le paure, le insicurezze ed il continuo sbigottimento per una vita che sfugge sempre più di mano: i suoi occhi rimangono impressi più di ogni altra cosa.

Christine è indubbiamente un film forte, che mette a disagio, e con ciò racchiude il proprio scopo. Pensare che sia una storia vera ha dell’incredibile, ma è un pensiero che può aiutare a far capire che spesso la ricerca di risposte più grandi di noi è del tutto superflua se il presente ci sfugge di mano.

Emanuele D’Aniello