Dreaming Murakami è un documentario, un film, un’esperienza cinematografica. È un sogno.

Il regista Nitesh Anjaan ha realizzato in un film di un’ora uno di quei sogni che Murakami Haruki scrive su carta. È esattamente un libro di Murakami che non si legge ma si guarda, e gli elementi dei suoi romanzi, dallo schema narrativo ai personaggi, ci sono tutti:

– Un protagonista solitario, con un gatto, che viaggia per lavoro;
– Un personaggio onirico e misterioso che non appartiene al mondo reale;
– Due realtà e più storie che si intrecciano;
– Un finale aperto.

Per chi non conosce o non apprezza Murakami questo è solo un documentario su una traduttrice, sulla sua professione e in parte sulla sua vita. Si potrebbe domandare “Dov’è Murakami?”.
L’autore però è presente nel film, perché è nella vita di Mette Holm; è una presenza-assenza nella vita dei suoi lettori, in un certo senso come lo è l’Uomo Pecora.

Il docufilm Dreaming Murakami accomuna e rappresenta gli appassionati dei suoi romanzi e il loro particolare legame con lo scrittore. Non è un semplice film su una traduttrice danese, è un film su me, su te e su qualsiasi altra persona che lo ha letto tante volte e si è rivisto nei suoi personaggi!

Nei libri di Murakami Haruki non leggi la storia di un personaggio, ma leggi la tua, leggi di te stesso.

È difficile non ritrovare se stessi nel protagonista, perché è così realistico: ha paure, insicurezze, sofferenze ed è solo, però non soffre la solitudine, ci è abituato, ed è in essa che scioglie i suoi conflitti. È in queste stesse cose che anche le persone apparse nel film fanno intendere di rivedersi.

Ciò che lega i personaggi di Murakami ai suoi lettori è l’introspezione, la solitudine e l’avere un mondo immaginario parallelo in cui andare spesso.

Personalmente non ho potuto che apprezzare il film, mi sono sentita raccontata e descritta in ogni momento e in ogni fotogramma per la passione per il tè, i gatti, i libri, il Giappone e, ovviamente, per questo incredibile autore.

Se potessi, ringrazierei Mette Holm di persona per fantastico viaggio, in questa sua esperienza professionale, in cui ci ha portati. 

Dreaming Murakami è un docufilm realizzato con una tale cura e precisione da lasciare a bocca aperta. I riferimenti ai libri, nelle immagini, nei luoghi, erano tantissimi e tutti inseriti nella storia perfettamente e senza forzature, quasi combaciassero.

Sembra cucito addosso ai romanzi di Murakami Haruki e ai suoi lettori, perché una volta finito, ti sembra di essere uscito da un’altra realtà, sei ipnotizzato, confuso e frastornato e dopo sei super entusiasta.

È un film senza dubbio intenso, in particolare per i dialoghi e le citazioni del Ranocchio.

I dettagli, poi, l’hanno reso un documentario eccezionale.

La versione inglese è scaricabile qui / The english version is available here:

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Ambra Martino

Spesso e volentieri, anzi, quasi sempre quando si parla di “film d’autore”, è impossibile scindere il risultato di tali film dalla mente e dal percorso di chi li realizza. Addirittura per comprenderli veramente bisogna davvero conoscere chi li ha concepiti, altrimenti la visione sarà sempre monca, azzoppata nel suo significato.

Tutto ciò è ancora più vero quando si parla dei film di M. Night Shyamalan.

I registi, in ogni film che affrontano, in ogni genere che scelgono, riescono sempre ad inserire la propria poetica, la propria visione. Gira e rigira, i temi cari sono spesso i medesimi. Shyamalan, oltretutto, fa addirittura il passo successivo, ovvero inserire i propri film in una singola formula strutturale e narrativa, e poi declinarli a seconda di ciò che vuole raccontare. I suoi film, pertanto, si somigliano più o meno tutti, a differenziarli è l’idea e il peso emotivo che si portano dietro. Soprattutto quest’ultimo, a pensarci bene, perché Shyamalan è anche uno dei registi che più lascia trasparire quanto tenga ai propri film. Nel bene e nel male, a seconda dei casi.

Arrivati quindi adesso a Glass, di conseguenza, il peso delle premesse fatte schiaccia inevitabilmente tutto il resto. Perché come film Glass è ingiudicabile: non è un film vero, un film autonomo, non può esserlo. È, semmai, il diretto figlio del contesto in cui nasce, da qualsiasi angolatura lo si voglia guardare.

Il contesto è quello di un regista che è stato acclamato enfant prodige agli esordi, è stato successivamente deriso dalla critica e rimasto vittima di pessimi flop (alcuni molto meritati), e poi si è lentamente ricostruito una dignità artistica cercando di legittimarla, adesso, con un ritorno alle origini. Il contesto è anche quello di un mondo cinematografico contemporaneo nel quale i cinefumetti la fanno a padrone, gli spettatori ne intuiscono e conoscono ogni segreto e sono diventati il cinema commerciale per antonomasia. Inoltre, il contesto è anche quello dell’evoluzione artistica, in cui maturazione di un regista, le aspettative del pubblico e la saturazione dell’industria devono andare di pari passo per proporre novità oppure, se si vuol guardare al passato, rielaborare il già visto.

Pertanto,  se è vero tutto quanto detto finora, Glass non può che essere bollato come un fallimento sotto il profilo artistico e creativo.

Lo è in maniera ancora più roboante vedendo tutte le cose buone, interessanti e affascinanti che Glass, in realtà, aveva messo sul tavolo. Come l’idea di gettare dei supereroi nel realismo del nostro quotidiano, dando spiegazioni razionali alle loro gesta irrazionali. La decisione di decostruire il genere supereroistico, svelando e approfittando al tempo stesso della sua struttura e dei suoi tòpoi, non in maniera fine a se stessa, ma per ricostruire un nuovo universo privo dei riferimenti sicuri e delle basi preesistenti dei fumetti. L’ambizione di costruire ciò partendo da un film di quasi venti anni fa, Unbreakable, unendolo allo spirito più anarchico del recente successo Split.

Eppure, sono proprio le ambizioni a schiacciare le ottime intenzioni di Shyamalan. Il suo eccessivo e già sottolineato calore artistico che si scontra con la realtà delle esigenze cinematografiche.

Tutte le idee sono lasciate sulla carta, e sostituite da un fiume di parole che inondando lo spettatore, soprattutto nella prima ora, con una noia letargica. Come i protagonisti sono rinchiusi in un luogo chiuso, così il film stesso è chiuso in una struttura chiusa fatta di cliché e didascalie che azzerano l’azione e annullano lo stimolo d’interesse del pubblico. Nei film di Shyalaman quasi sempre tutto è nascosto, segreto, da capire prima che da scoprire. Qui in Glass, invece, tutto è chiaro, tutto è manifesto, tutto è visibile, tutto è detto, raccontato, spiegato, nella maniera più esaustiva e banale possibile. Non c’è tensione, l’elemento chiave dei primi del regista, perché tutto è esplicito.

E questi non sono nemmeno i difetti più grandi del film, per dire.

Perché un difetto ancora più evidente è la mancanza di originalità. Un peccato tremendo vedendo come il film cerchi, paradossalmente, di svelare la mancanza di originalità del genere che affronta. Eppure questo percorso decostruttivo lo hanno già seguito – in maniera altrettanto claudicante, a dirla tutta, ma con più incisività – Watchmen e la serie tv Heroes. Dal primo Glass ruba la psicologia delle vicende dei supereroi e la predestinazione dei loro comportamenti. Dal secondo invece ruba l’estetica più fumettosa, che attraverso colori, scenografie e costumi abbina un simbolo o un mood a personaggi e situazioni.

Ma col difetto più grande Glass ci convive in maniera intrinseca. Lo si ritrova nella sua concezione e nell’ambizione di Shyamalan di riaffermarsi nuovamente. Vincere pubblico e critica non cambiando, ma riproponendo le sue stesse armi che, quindi, non stanno più al passo coi tempi. Paradossalmente, stavolta è il regista a stare in una torre d’avorio dalla quale non si accorge che il genere che vuole decostruire in realtà, negli ultimi anni, è diventato meno schematico e più sperimentale di quanto voglia provare. Non si accorge che è il suo modo di fare cinema e narrare, semmai, ad essere stantio e pieno di cliché, con una fame del colpo di scena finale, anche laddove non ce ne sarebbe bisogno, che ormai è diventata autoparodia e ha tolto ogni senso di stupore allo spettatore. Oramai, vedendo un film di Shyamalan, tutti aspettano il plot twist che ribalta quanto visto, come fosse un’ovvietà.

È la schematicità, ripetitività e presunzione di intelligenza ad aver azzoppato il potenziale di Glass, che hanno finito per generare soltanto noia.

Il calore affettivo di Shyamalan qui si è trasferito dal film a se stesso, ad una inusitata per lui autoindulgenza. Ha perso di strada il successo di Unbreakable e Split: i personaggi. Qui il regista è innamorato dell’operazione cinematografica che prova a compiere, dell’ipotetica storia che prova a costruire, ed i personaggi sono solo pedine, strumenti narrativi mossi da fili artificiali, e non da emozioni da trasmettere.

L’Uomo di Vetro di Samuel L. Jackson qui diventa solo una macchietta. Le personalità interpretare da James McAvoy sono più un diversivo d’intrattenimento che non un qualcosa con un significato da esplorare. La tristezza del personaggio di Bruce Willis, che nell’atmosfera malinconica di Unbreakable deflagrava in tutta la tragicità della solitudine umana, qui è completamente assente.

I protagonisti, le loro azioni e il loro percorso, sono sacrificati sull’altare della costruzione di un ipotetico nuovo universo supereroistico al cinema. Pertanto, sacrificati sul bisogno del regista di avere una nuova affermazione che crei un suo futuro al cinema. Di conseguenza, Glass non è solo una grande occasione persa, quanto una grande delusione per chi ha amato i precedenti due film. Però nel trasportare i supereroi nella realtà, qualcosa è pienamente riuscito: la trasformazione di Shyamalan in un perfetto villain.

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Emanuele D’Aniello

Il titolo del film su Van Gogh preannuncia già un po’ la banalità con cui è stata raccontata la sua vita.

Sulla soglia dell’eternità. Van Gogh non è “sulla soglia”, lui è eterno, come tutti i soggetti che ha rappresentato.

Ho visto diversi film su Van Gogh e questo mi ha molto delusa. Non mi aspettavo chissà che ed ero anche un po’ titubante sulla scelta di Willem Dafoe come interprete. L’attore, seppur bravissimo, è poco somigliante nella fisionomia a Van Gogh, senza contare che ha quasi il doppio degli anni che aveva il pittore quando è morto.

Sarebbe stato forse meglio prendere a recitare la parte qualcuno meno conosciuto e comunque bravo ma più somigliante. Chi è un grande appassionato del pittore avrà sicuramente pensato all’attore che lo interpretò in un episodio famoso e molto, molto commovente di Doctor Who.

Non è chiaro se l’intento del film fosse raccontarlo come lo vedevano le persone che lo hanno conosciuto e vissuto, cioè come un pazzo, un tipo strano, o se il regista sia ancora legato a questa visione obsoleta e superata di Van Gogh.

Ci sono alcuni momenti, e anche molte persone, fondamentali della vita del pittore, che sono stati trattati con enorme superficialità. Ad esempio il Dottor Gachet viene rappresentato come una persona qualunque di quelle ritratte da Vincent, non c’è neanche un accenno al fatto che lui sia stato la persona che si è preso cura del pittore negli ultimi anni di vita e al legame stretto che si era creato tra i due.

Per farla breve, non è un film che consiglierei sulla vita di Van Gogh.

Il “grande” braccano che ruota attorno a questo film è dovuto solo a Willem Dafoe, poiché è un grande e rinomato attore. Forse senza di lui, non sarebbe stato un film tanto chiacchierato.

Indubbiamente è stato bravo nell’interpretare Vincent Van Gogh, o almeno come ci si aspetterebbe che sarebbe stato: timido, introverso, impacciato e con degli scatti d’ira, dovuti alla sua malattia mentale. Inoltre i suoi occhi sono stati la cosa più somigliante al pittore, cioè grandi, azzurri e pieni di espressione.

Van Gogh poteva essere narrato molto meglio. Avrei preferito una visione della persona più completa, globale, e non parziale, legata soprattutto alla sua malattia e alla sua solitudine.

Van Gogh meritava una biografia cinematografica al pari dei suoi quadri: piena di mille colori, di toni scuri e chiari, di contrasti, di solitudine, di compagnia, di profondità, sensibilità e  di vita, nella sua accezione più intensa.

Ambra Martino

In occasione del Festival del cinema di Venezia, il nostro Emanuele Daniello aveva espresso un’opinione molto diversa. Leggi la sua recensione, se ti va!

Venezia 2018: At Eternity’s Gate, la tristezza di Van Gogh